La Stampa 27 Settembre 2003
Makhmalbaf, la desolazione
che spezza i sogni della vita
di Lietta Tornabuoni
TRA l'estate e l'autunno del 2002, Samira Makhmalbaf, iraniana, 23 anni, bella, andò a girare a Kabul: voleva rispecchiare in un film cosa fosse cambiato in Afghanistan, soprattutto per le donne, dopo la caduta dei talebani. I suoi precedenti film li aveva ambientati in Iran («La mela», 1997), sul confine Iran-Iraq in Kurdistan («Lavagne», 2000), nel mondo allarmante che la circonda («Se ci sono i Medici senza frontiere, possono esserci anche i Filmaker senza frontiere», dice). La accompagnavano in Afghanistan, come usa nella sua gran famiglia di cineasti, il produttore, soggettista e montatore Mohsen Makhmalbaf suo padre, la sorella tredicenne Hana Makhmalbaf autrice del documentario sulla lavorazione del film poi presentato all'ultima Mostra di Venezia con il titolo «The Joy of Madness»
Molto bello, premiato a Cannes 2003, «Alle cinque della sera» ha come protagonista una ragazza di Kabul, all'inizio piena di vitalità, di desideri e di ambizioni (vuol diventare presidente della Repubblica), amica di un poeta (è lui a insegnarle i versi di Garcia Lorca del titolo, e lei li recita a se stessa nei momenti più tristi chiedendo consolazione alla forza universale della poesia). Poco a poco, però, la ragazza viene sopraffatta dalla desolazione. Suo fratello è morto in Pakistan, senza che la famiglia lo sappia con certezza. Suo padre carrettiere, conservatore integralista, per trovare rifugio in un luogo santo la porta via da Kabul in compagnia della cognata vedova inconsapevole e del bambino piccolo di lei che muore di stenti. Anche il cavallo stramazza per la fatica e la fame. Adesso, dopo i talebani, le donne possono studiare o lavorare, ma debbono seguitare a portare la burqa per strada e restano oppresse dalla tradizione, dalla religione, dalla famiglia. L'Afghanistan appare un Paese di macerie e deserti, con pochissimo cibo e rari tetti sotto cui trovare riparo: azzerato dalla guerra molto più che dai talebani.
Lo stile di Samira Makhmalbaf è singolare, fortemente realista e insieme lirico-simbolista: all'ammirazione per la sua bravura di cineasta si unisce il rispetto per il suo impegno civile fattivo e appassionato.
ALLE CINQUE DELLA SERA
(Panj ès asr)
Di Samira Makhmalbaf
Con Ageleh Rezaee, Abdolghani Yusef-zay, Marzieh Amiri
Drammatico. Iran/Francia,2003.
TORINO , cinema Massimo. MILANO , Anteo, Colosseo, ROMA , Eden, Intrastevere, Lux, Quattro Fontane.
sabato 27 settembre 2003
il Washington Post su Marco Bellocchio e il suo film
The Washington Post 19.9.03
Film's Fantasy Finish Has Italians Rethinking 1978 Assassination
By Daniel Williams
ROME -- No event of the second half of the 20th century in Italy has a stronger grip on the public imagination than the kidnapping and killing by the Red Brigades of Aldo Moro, the leader of the once-dominant Christian Democratic Party.
His death in 1978 inspired scores of books, hundreds if not thousands of essays and articles, and enough conspiracy theories to overwhelm Oliver Stone. Moro's murder is Italy's equivalent of the Kennedy assassination.
This year, two feature films about Moro opened in Italian theaters. One was a rehash of a theory that the United States and other sinister forces had arranged his death. But the second, a psychological portrait of one of the terrorists, created a stir. "Buongiorno, Notte" ("Good Morning, Night") ends with a dream of Moro walking free from captivity, instead of the true climax, his body found crumpled and full of bullets in a stolen car parked on a side street in downtown Rome.
Suddenly, all sorts of Italians are fantasizing that Moro came home alive -- his captors, aging politicians who announced they would not negotiate for his release, pundits and historians. It was as if Italy had moved from historical revisionism to psychological revisionism. In the days leading up to Moro's death, his survival seemed low among many Italians' priorities. Twenty-five years later, it seems to be everyone's most ardent desire.
"A worker came up to me who saw the movie," said Marco Bellocchio, the director. "He said that he was 20 when Moro was kidnapped, and he applauded. Now, he said, he cried."
Even former members of the Red Brigades got into the act. After viewing the movie, Anna Laura Braghetti, who was one of Moro's captors and the person on whom the main character is based, said she was against killing Moro. "I was horrified. I imagined letting Moro go, but I didn't do it. I stayed in the Red Brigades," she told the newspaper Corriere della Sera, in her only interview after the movie's showing.
Her memoir of the killing, called "The Prisoner," was one of the sources for the film. But she did not actually dream Bellocchio's dream. After finishing with Moro, she was involved in the coldblooded killing of a university professor.
Eventually, Red Brigades members were hunted down and put on trial. The Moro killing was the beginning of the end of what they called "armed struggle."
With 21st-century Italy internally at peace and issues like the fate of an overburdened pension system its biggest political challenge, it is hard to appreciate the country's turmoil in the 1970s. Italy was a front-line Western state in the Cold War, and the possibility of Communists taking power was real. The economic miracle that quickly brought prosperity to an impoverished land had not erased class hatred. Radical Italian leftists with links across Europe killed, kneecapped and kidnapped businessmen, academics and politicians. The '70s became known as the decade of lead.
Moro, a former prime minister who in 1978 was the Christian Democratic Party president, tried to stabilize Italian politics with a project known as the "historic compromise": He wanted to include the Italian Communist Party as a voting member of the Christian Democrats' majority in Parliament, though without cabinet seats. For the Communists, this would have been a step toward political legitimacy.
The Red Brigades, one of many far-left splinter groups that brooked no compromise with the "bourgeois" government, opposed the Communist move.
Terms of the debate changed on March 16, 1978, when members of the group staged a carefully planned ambush of Moro's car as it headed down a Rome street toward Parliament. All five of his bodyguards were killed; Moro, unhurt, was bundled off by the attackers.
The ensuing crisis transfixed Italy. The Brigades repeatedly demanded the release of fellow members standing trial; both the Communists and the Christian Democratic government, then headed by Giulio Andreotti, rejected negotiations with the Red Brigades. The kidnappers held Moro in a cell in a suburban apartment for 55 days, put him on trial, sentenced him to death and shot him.
A quarter-century later, many people who were involved say they labored for a happier ending.
Adriana Faranda, a Red Brigades leader who says that at the time she tried to persuade her comrades not to assassinate Moro, lamented that the police did not find the hide-out and save him. "We were the weak link, we had sent out dozens of messages, we were so vulnerable, I don't understand why they didn't catch us," she said in an interview.
A few days ago, Andreotti announced that, contrary to published historical testimony that he had refused all contacts with the kidnappers, he had authorized the Vatican to negotiate for Moro's life, albeit via a convict in jail who said he could free Moro for money. He said the effort failed because it was too late.
L'Unita, the leftist newspaper that was once the official mouthpiece of the Communist Party of Italy and in 1978 stuck firm with the refusal to negotiate, recently fantasized that, had Moro lived, the current right-wing government of Prime Minister Silvio Berlusconi might never have come into being.
Not everyone is pleased with such revisionist sentiments. "L'Unita of today against L'Unita of yesterday?" dryly asked Francesco Merlo, a political commentator. "In exchange for what political small talk and for what aberrant reason can one forget the blood of that morning?"
"Buongiorno, Notte" debuted at the recent Venice Film Festival, and its failure to win the top Gold Lion prize itself became a controversy. The jury created a special consolation prize for Bellocchio.
"I was interested in the internal life of the terrorists, their habits, their thinking," he said. "The background of who was guilty, the imagined plots, I was not interested in those."
Bellocchio was in his thirties when the kidnapping took place and he recalled that many leftist youths romanticized the Red Brigades. "It was a mass craziness," he said.
As a plot device, Bellocchio's dream of Moro's liberation was designed to provide the Braghetti-based character with a dramatic contradiction. The movie is paradoxically both intense and low-key: Bellocchio depicts neither the violent kidnapping nor Moro's execution. Nor does he show the discovery of Moro's corpse in a car near Communist Party headquarters -- an image burned into Italian consciousness by media pictures.
Former Brigades member Faranda said the movie accurately depicts the closed ideological world of the terrorists. "Even in opposing Moro's killing, I used the rhetoric of military and political strategy," she said. "The question of humanity was not part of our language."
Like Braghetti, Faranda remained with the Red Brigades after the killing. "It was like a marriage. When we entered the clandestine life, we went for total involvement," she said. Both were released from long prison sentences under Italy's liberal parole laws.
Paola Tavella, a journalist who co-wrote Braghetti's memoirs, said the former Red Brigades member told her story in the interest of laying out history. Braghetti now does social work as part of the conditions of her release in the mid-1990s.
Tavella said she thinks the movie will terminate the cycle of Moro conspiracy theories. "It's the end of all these mystery stories," Tavella said in an interview. "Moro was killed by four Italians who kept him in an apartment in Rome."
"Conspiracy theories are beloved by people who don't want to look at their own generation in the face," she said. "Now the spectators at the film all wish that Moro was not killed. At the time, almost no one was able to give proper value to human life."
© 2003 The Washington Post Company
Film's Fantasy Finish Has Italians Rethinking 1978 Assassination
By Daniel Williams
ROME -- No event of the second half of the 20th century in Italy has a stronger grip on the public imagination than the kidnapping and killing by the Red Brigades of Aldo Moro, the leader of the once-dominant Christian Democratic Party.
His death in 1978 inspired scores of books, hundreds if not thousands of essays and articles, and enough conspiracy theories to overwhelm Oliver Stone. Moro's murder is Italy's equivalent of the Kennedy assassination.
This year, two feature films about Moro opened in Italian theaters. One was a rehash of a theory that the United States and other sinister forces had arranged his death. But the second, a psychological portrait of one of the terrorists, created a stir. "Buongiorno, Notte" ("Good Morning, Night") ends with a dream of Moro walking free from captivity, instead of the true climax, his body found crumpled and full of bullets in a stolen car parked on a side street in downtown Rome.
Suddenly, all sorts of Italians are fantasizing that Moro came home alive -- his captors, aging politicians who announced they would not negotiate for his release, pundits and historians. It was as if Italy had moved from historical revisionism to psychological revisionism. In the days leading up to Moro's death, his survival seemed low among many Italians' priorities. Twenty-five years later, it seems to be everyone's most ardent desire.
"A worker came up to me who saw the movie," said Marco Bellocchio, the director. "He said that he was 20 when Moro was kidnapped, and he applauded. Now, he said, he cried."
Even former members of the Red Brigades got into the act. After viewing the movie, Anna Laura Braghetti, who was one of Moro's captors and the person on whom the main character is based, said she was against killing Moro. "I was horrified. I imagined letting Moro go, but I didn't do it. I stayed in the Red Brigades," she told the newspaper Corriere della Sera, in her only interview after the movie's showing.
Her memoir of the killing, called "The Prisoner," was one of the sources for the film. But she did not actually dream Bellocchio's dream. After finishing with Moro, she was involved in the coldblooded killing of a university professor.
Eventually, Red Brigades members were hunted down and put on trial. The Moro killing was the beginning of the end of what they called "armed struggle."
With 21st-century Italy internally at peace and issues like the fate of an overburdened pension system its biggest political challenge, it is hard to appreciate the country's turmoil in the 1970s. Italy was a front-line Western state in the Cold War, and the possibility of Communists taking power was real. The economic miracle that quickly brought prosperity to an impoverished land had not erased class hatred. Radical Italian leftists with links across Europe killed, kneecapped and kidnapped businessmen, academics and politicians. The '70s became known as the decade of lead.
Moro, a former prime minister who in 1978 was the Christian Democratic Party president, tried to stabilize Italian politics with a project known as the "historic compromise": He wanted to include the Italian Communist Party as a voting member of the Christian Democrats' majority in Parliament, though without cabinet seats. For the Communists, this would have been a step toward political legitimacy.
The Red Brigades, one of many far-left splinter groups that brooked no compromise with the "bourgeois" government, opposed the Communist move.
Terms of the debate changed on March 16, 1978, when members of the group staged a carefully planned ambush of Moro's car as it headed down a Rome street toward Parliament. All five of his bodyguards were killed; Moro, unhurt, was bundled off by the attackers.
The ensuing crisis transfixed Italy. The Brigades repeatedly demanded the release of fellow members standing trial; both the Communists and the Christian Democratic government, then headed by Giulio Andreotti, rejected negotiations with the Red Brigades. The kidnappers held Moro in a cell in a suburban apartment for 55 days, put him on trial, sentenced him to death and shot him.
A quarter-century later, many people who were involved say they labored for a happier ending.
Adriana Faranda, a Red Brigades leader who says that at the time she tried to persuade her comrades not to assassinate Moro, lamented that the police did not find the hide-out and save him. "We were the weak link, we had sent out dozens of messages, we were so vulnerable, I don't understand why they didn't catch us," she said in an interview.
A few days ago, Andreotti announced that, contrary to published historical testimony that he had refused all contacts with the kidnappers, he had authorized the Vatican to negotiate for Moro's life, albeit via a convict in jail who said he could free Moro for money. He said the effort failed because it was too late.
L'Unita, the leftist newspaper that was once the official mouthpiece of the Communist Party of Italy and in 1978 stuck firm with the refusal to negotiate, recently fantasized that, had Moro lived, the current right-wing government of Prime Minister Silvio Berlusconi might never have come into being.
Not everyone is pleased with such revisionist sentiments. "L'Unita of today against L'Unita of yesterday?" dryly asked Francesco Merlo, a political commentator. "In exchange for what political small talk and for what aberrant reason can one forget the blood of that morning?"
"Buongiorno, Notte" debuted at the recent Venice Film Festival, and its failure to win the top Gold Lion prize itself became a controversy. The jury created a special consolation prize for Bellocchio.
"I was interested in the internal life of the terrorists, their habits, their thinking," he said. "The background of who was guilty, the imagined plots, I was not interested in those."
Bellocchio was in his thirties when the kidnapping took place and he recalled that many leftist youths romanticized the Red Brigades. "It was a mass craziness," he said.
As a plot device, Bellocchio's dream of Moro's liberation was designed to provide the Braghetti-based character with a dramatic contradiction. The movie is paradoxically both intense and low-key: Bellocchio depicts neither the violent kidnapping nor Moro's execution. Nor does he show the discovery of Moro's corpse in a car near Communist Party headquarters -- an image burned into Italian consciousness by media pictures.
Former Brigades member Faranda said the movie accurately depicts the closed ideological world of the terrorists. "Even in opposing Moro's killing, I used the rhetoric of military and political strategy," she said. "The question of humanity was not part of our language."
Like Braghetti, Faranda remained with the Red Brigades after the killing. "It was like a marriage. When we entered the clandestine life, we went for total involvement," she said. Both were released from long prison sentences under Italy's liberal parole laws.
Paola Tavella, a journalist who co-wrote Braghetti's memoirs, said the former Red Brigades member told her story in the interest of laying out history. Braghetti now does social work as part of the conditions of her release in the mid-1990s.
Tavella said she thinks the movie will terminate the cycle of Moro conspiracy theories. "It's the end of all these mystery stories," Tavella said in an interview. "Moro was killed by four Italians who kept him in an apartment in Rome."
"Conspiracy theories are beloved by people who don't want to look at their own generation in the face," she said. "Now the spectators at the film all wish that Moro was not killed. At the time, almost no one was able to give proper value to human life."
© 2003 The Washington Post Company
«What's hot in New York?»: Marco Bellocchio
rediff.com from India
What's hot in New York?
Arthur J Pais September 24, 2003 12:40 IST
Good Morning, Night: A brilliant, heartfelt and controversial film dealing with murderous radicalism. Writer-director Marco Bellocchio restages one of the most notorious episodes in Italian political history that many people in that country do not want to discuss: the 1978 kidnapping of President Aldo Moro (Roberto Herlitzka) by a cell of the Red Brigade terrorist group.
The haunting images of the only female member of the terrorist band, Anna (Maya Sansa), whose revolutionary conscience is pricked by human considerations, are unforgettable. She finds herself increasingly alienated from her militant comrades, and begins thinking of a way to turn their prisoner free.
Bellocchio stages thoughtful and troubling meetings between the radicals and Moro who tries to convey his Catholic philosophy to them. But it is Anna, the young idealist, who forges a silent bond with the doomed man.
Directed without sensationalism and narrated with underplayed performances, the dazzlingly conveyed film was one of the most gripping films seen at the TIFF. It was one of the very few films to receive spontaneous applause in Toronto.
What's hot in New York?
Arthur J Pais September 24, 2003 12:40 IST
Good Morning, Night: A brilliant, heartfelt and controversial film dealing with murderous radicalism. Writer-director Marco Bellocchio restages one of the most notorious episodes in Italian political history that many people in that country do not want to discuss: the 1978 kidnapping of President Aldo Moro (Roberto Herlitzka) by a cell of the Red Brigade terrorist group.
The haunting images of the only female member of the terrorist band, Anna (Maya Sansa), whose revolutionary conscience is pricked by human considerations, are unforgettable. She finds herself increasingly alienated from her militant comrades, and begins thinking of a way to turn their prisoner free.
Bellocchio stages thoughtful and troubling meetings between the radicals and Moro who tries to convey his Catholic philosophy to them. But it is Anna, the young idealist, who forges a silent bond with the doomed man.
Directed without sensationalism and narrated with underplayed performances, the dazzlingly conveyed film was one of the most gripping films seen at the TIFF. It was one of the very few films to receive spontaneous applause in Toronto.
Buongiorno, notte e Marco Bellocchio a Rio
Le Devoir 25.9.03
Cinéma - Début du festival de Rio de Janeiro
On présente 300 films en 16 jours. Parmi les principaux longs-métrages du panorama mondial figurent Dogville, du Danois Lars Von Trier.
AFP
Rio de Janeiro - Le Festival de cinéma de Rio de Janeiro s'ouvre ce soir et présentera pendant seize jours près de 300 films du monde entier dans 37 salles de la ville.
Cinéma
Pour la première fois, la mairie de Rio a installé cette année des «écrans culturels» dans les quartiers défavorisés de la zone nord où le public pourra assister aux principaux films sortis en 2003 et prendre connaissance des nouvelles tendances du cinéma mondial.
En 2003, c'est l'Italie qui est à l'honneur avec ce qu'il y a de plus représentatif de sa production récente. L'un des films présentés sera Buongiorno, Notte de Marco Bellocchio, qui viendra parler de son film.
Cinéma - Début du festival de Rio de Janeiro
On présente 300 films en 16 jours. Parmi les principaux longs-métrages du panorama mondial figurent Dogville, du Danois Lars Von Trier.
AFP
Rio de Janeiro - Le Festival de cinéma de Rio de Janeiro s'ouvre ce soir et présentera pendant seize jours près de 300 films du monde entier dans 37 salles de la ville.
Cinéma
Pour la première fois, la mairie de Rio a installé cette année des «écrans culturels» dans les quartiers défavorisés de la zone nord où le public pourra assister aux principaux films sortis en 2003 et prendre connaissance des nouvelles tendances du cinéma mondial.
En 2003, c'est l'Italie qui est à l'honneur avec ce qu'il y a de plus représentatif de sa production récente. L'un des films présentés sera Buongiorno, Notte de Marco Bellocchio, qui viendra parler de son film.
incubi della ragione
La Stampa Tuttolibri 27.9.03
Dimmi, Galatea: è possibile un cervello senza cuore?
di Ruggero Bianchi
Da un romanzo, dice uno dei personaggi di Galatea 2.2, il lettore si attende risposte e non domande, proposte e non nuovi dubbi o problemi irrisolti. La scrittura creativa, soprattutto quella visionaria (e dunque, a maggior ragione, quella cosiddetta ”di anticipazione”), dovrebbe placare o almeno lenire angosce e ansie dell’esistenza. Ma Richard Powers, quarantaseienne scrittore di Evanstone, Illinois, autore di una decina scarsa di romanzi (due dei quali, Tre contadini che vanno a ballare e Il dilemma del prigioniero, tradotti da Bollati Boringhieri, nel 1991 e nel 1996), lettore onnivoro e tuttologo ardente in costante oscillazione tra letteratura e scienza, è il primo a non seguire questa direttiva. Galatea 2.2 (scritto nel 1995 e già considerato un autentico classico) è infatti un lungo e affascinante viaggio in una terra di nessuno, le cui tappe frenetiche mappano una costellazione di ipotesi smentite, di punti d’arrivo mai conclusivi, di certezze sempre rimesse in discussione. Una ricerca infinita, che rimanda per esplicita ammissione dell’autore alla scrittura metafisica e reclusa di Emily Dickinson, al razionalismo sulfureo e schizofrenico di Poe, al filosofare erratico ed eretico di Cervantes. Un piccolo capolavoro (ottimamente tradotto da Luca Briasco) che, al pari di altri romanzi di Powers, si vorrebbe non tanto recensire quanto rileggere, magari aprendolo a caso come una minuscola Bibbia laica dei nostri tempi. All’apparenza, la storia è semplice. Nel tentativo di creare un supercomputer neuronico capace non solo di apprendere e di parlare, ma anche di esprimere valutazioni e addirittura di apprezzare la letteratura e l’arte, e dunque di fatto di pensare, uno scienziato e un umanista danno vita a una creatura fisicamente indefinita e indefinibile, una sorta di rete nella rete, collegata e dispersa nel World Wide Web ma dotata di una fin troppo persuasiva parvenza di coscienza. Un’inafferrabile ma realissima Galatea virtuale i cui antenati letterari sono ben riconoscibili, da Pigmalione a Frankenstein alla Eva futura di Villiers de l’Isle Adam. Ma lo spunto, a dispetto dei modelli, è soltanto uno schermo o, meglio, un fragilissimo e intricatissimo specchio. La lente di un gigantesco telescopio spaziale, la cui esplorazione del macrocosmo mira in realtà a sondare il micromondo del cervello: la natura e il funzionamento del pensiero, il rapporto tra percezione e conoscenza, tra l’acquisizione dei dati e la loro formulazione in linguaggio, tra apprendimento e memoria, tra gusto e giudizio, tra creazione e scoperta. Cioè, per dirla kantianamente, tra dati empirici, categorie e a priori. Il percorso che sfocia nella costruzione e nell’educazione della nuova Galatea è infatti una sequenza ininterrotta di falsi scopi, di mete continuamente riformulate, dove gioca un ruolo determinante la personalità stessa dei ricercatori, con le loro frustrazioni e i loro sogni. Allo scienziato, l’esperimento serve anche per sondare in vitro i meccanismi cerebrali umani, nella segreta speranza di poter guarire un’amatissima moglie dalla mente disintegrata. Al letterato, per decidere se valga la pena di comporre romanzi, se debba o no continuare a coltivare la scrittura e di che cosa, in che termini, perché e per chi debba scrivere. E, a entrambi, per sapere se l’universo abbia una sua ragion d’essere, se abbia un senso l’esistenza e che cosa essa sia in ultima analisi: un groviglio caotico di ricordi, un meccanico imprint di dati, un’opera aperta riscritta di momento in momento, una struttura compatta trasmissibile nel tempo e nello spazio o un flusso magmatico che non tollera nessuna separatezza, nessuna possibilità di individuare, se non in maniera casuale o gratuita, un io comunque fondato sugli altri o sull’Altro. In questa fiumana di interrogativi tutto può trovare spazio, dallo studio delle risonanze emotive delle varie realtà sociopolitiche alla riscrittura dei canoni, dalle urgenze più segrete del cuore al significato dell’arte, dalla psicolinguistica alla filosofia della percezione, dalle teorie decostruzionistiche agli enunciati più provocatori del neostoricismo. Qualcosa tuttavia resta sempre fuori. Che cosa e chi è veramente Galatea? E’ davvero in grado di conoscere, capire, ragionare, percepire e soprattutto sentire? Quali sensazioni e immagini ha del mondo esterno? E, soprattutto, può anche provare amore, dolore, paura? Ammesso che sia possibile dar forma a qualcosa che funzioni e si comporti in modo umano, è concepibile insomma un cervello senza cuore? E, se sì, qual è la differenza tra un simile apparato e un animale da laboratorio? Manipolarne i chips e le sinapsi, toglierle o modificarle circuiti e interfacce, non equivale a sezionare, amputare o lobotomizzare in vivo? E, sovvertendo la prospettiva, se riuscissimo a creare una macchina capace di pensare e sentire come noi, che cosa potrebbe vietarci di concludere che siamo, senza saperlo, macchine noi stessi?
Dimmi, Galatea: è possibile un cervello senza cuore?
di Ruggero Bianchi
Da un romanzo, dice uno dei personaggi di Galatea 2.2, il lettore si attende risposte e non domande, proposte e non nuovi dubbi o problemi irrisolti. La scrittura creativa, soprattutto quella visionaria (e dunque, a maggior ragione, quella cosiddetta ”di anticipazione”), dovrebbe placare o almeno lenire angosce e ansie dell’esistenza. Ma Richard Powers, quarantaseienne scrittore di Evanstone, Illinois, autore di una decina scarsa di romanzi (due dei quali, Tre contadini che vanno a ballare e Il dilemma del prigioniero, tradotti da Bollati Boringhieri, nel 1991 e nel 1996), lettore onnivoro e tuttologo ardente in costante oscillazione tra letteratura e scienza, è il primo a non seguire questa direttiva. Galatea 2.2 (scritto nel 1995 e già considerato un autentico classico) è infatti un lungo e affascinante viaggio in una terra di nessuno, le cui tappe frenetiche mappano una costellazione di ipotesi smentite, di punti d’arrivo mai conclusivi, di certezze sempre rimesse in discussione. Una ricerca infinita, che rimanda per esplicita ammissione dell’autore alla scrittura metafisica e reclusa di Emily Dickinson, al razionalismo sulfureo e schizofrenico di Poe, al filosofare erratico ed eretico di Cervantes. Un piccolo capolavoro (ottimamente tradotto da Luca Briasco) che, al pari di altri romanzi di Powers, si vorrebbe non tanto recensire quanto rileggere, magari aprendolo a caso come una minuscola Bibbia laica dei nostri tempi. All’apparenza, la storia è semplice. Nel tentativo di creare un supercomputer neuronico capace non solo di apprendere e di parlare, ma anche di esprimere valutazioni e addirittura di apprezzare la letteratura e l’arte, e dunque di fatto di pensare, uno scienziato e un umanista danno vita a una creatura fisicamente indefinita e indefinibile, una sorta di rete nella rete, collegata e dispersa nel World Wide Web ma dotata di una fin troppo persuasiva parvenza di coscienza. Un’inafferrabile ma realissima Galatea virtuale i cui antenati letterari sono ben riconoscibili, da Pigmalione a Frankenstein alla Eva futura di Villiers de l’Isle Adam. Ma lo spunto, a dispetto dei modelli, è soltanto uno schermo o, meglio, un fragilissimo e intricatissimo specchio. La lente di un gigantesco telescopio spaziale, la cui esplorazione del macrocosmo mira in realtà a sondare il micromondo del cervello: la natura e il funzionamento del pensiero, il rapporto tra percezione e conoscenza, tra l’acquisizione dei dati e la loro formulazione in linguaggio, tra apprendimento e memoria, tra gusto e giudizio, tra creazione e scoperta. Cioè, per dirla kantianamente, tra dati empirici, categorie e a priori. Il percorso che sfocia nella costruzione e nell’educazione della nuova Galatea è infatti una sequenza ininterrotta di falsi scopi, di mete continuamente riformulate, dove gioca un ruolo determinante la personalità stessa dei ricercatori, con le loro frustrazioni e i loro sogni. Allo scienziato, l’esperimento serve anche per sondare in vitro i meccanismi cerebrali umani, nella segreta speranza di poter guarire un’amatissima moglie dalla mente disintegrata. Al letterato, per decidere se valga la pena di comporre romanzi, se debba o no continuare a coltivare la scrittura e di che cosa, in che termini, perché e per chi debba scrivere. E, a entrambi, per sapere se l’universo abbia una sua ragion d’essere, se abbia un senso l’esistenza e che cosa essa sia in ultima analisi: un groviglio caotico di ricordi, un meccanico imprint di dati, un’opera aperta riscritta di momento in momento, una struttura compatta trasmissibile nel tempo e nello spazio o un flusso magmatico che non tollera nessuna separatezza, nessuna possibilità di individuare, se non in maniera casuale o gratuita, un io comunque fondato sugli altri o sull’Altro. In questa fiumana di interrogativi tutto può trovare spazio, dallo studio delle risonanze emotive delle varie realtà sociopolitiche alla riscrittura dei canoni, dalle urgenze più segrete del cuore al significato dell’arte, dalla psicolinguistica alla filosofia della percezione, dalle teorie decostruzionistiche agli enunciati più provocatori del neostoricismo. Qualcosa tuttavia resta sempre fuori. Che cosa e chi è veramente Galatea? E’ davvero in grado di conoscere, capire, ragionare, percepire e soprattutto sentire? Quali sensazioni e immagini ha del mondo esterno? E, soprattutto, può anche provare amore, dolore, paura? Ammesso che sia possibile dar forma a qualcosa che funzioni e si comporti in modo umano, è concepibile insomma un cervello senza cuore? E, se sì, qual è la differenza tra un simile apparato e un animale da laboratorio? Manipolarne i chips e le sinapsi, toglierle o modificarle circuiti e interfacce, non equivale a sezionare, amputare o lobotomizzare in vivo? E, sovvertendo la prospettiva, se riuscissimo a creare una macchina capace di pensare e sentire come noi, che cosa potrebbe vietarci di concludere che siamo, senza saperlo, macchine noi stessi?
BELLOCCHIO BATTE HULK!
Corriere della Sera 27.9.03
boxoffice
Depp pirata continua l’arrembaggio e il Terminator Schwarzy non lo scalza dal primo posto. Novità: Bellocchio batte Hulk psicanalitico: va bene Confidence, ma dalla scorsa settimana il box office cala del 6%. (Dati Cinetel - Giornale dello Spettacolo, 74% del mercato)
boxoffice
Depp pirata continua l’arrembaggio e il Terminator Schwarzy non lo scalza dal primo posto. Novità: Bellocchio batte Hulk psicanalitico: va bene Confidence, ma dalla scorsa settimana il box office cala del 6%. (Dati Cinetel - Giornale dello Spettacolo, 74% del mercato)
venerdì 26 settembre 2003
"fides" e "lex": Franco Cardini
L'Adige 26.9.03
Franco Cardini: «L´Islam che è una religione diversa da quella cristiana ma con radici a questa comuni o affini è stato trattato - ha osservato lo studioso - come un conglomerato di eresia cristiana»
di Michele Carpagnano
«Tra singolare e plurale» ovvero «la lingua e le lingue, la scrittura e le scritture, la religione e le religioni», ma anche il diritto e i diritti, il mestiere ed i mestieri: dell´unicità e della pluralità si nutrono le radici delle genti d´Europa. Al singolare e al plurale era dedicata, giovedì pomeriggio, la sesta ed ultima sezione della Settimana di Studio organizzata dall´ITC-isig di Trento, giunta alla quarantaseiesima edizione, e che come consueto ospita esperti e storici di fama nazionale ed internazionale.
Quest´anno il tema, che ha impegnato già dallo scorso lunedì i partecipanti, ha ruotato intorno alla domanda: "Quali le radici dell´Europa?". «E´ nell´età carolingia delle cattedrali, degli studia, delle città libere che vanno ricercate le radici dell´Europa moderna» ha affermato, in apertura del suo intervento, il prof. Franco Cardini che ha affrontato il tema: «La religione e le religioni».
Cardini, recitando un passo di Dante, ci traghetta nella dimensione Medievale dalla quale tutto il suo discorso attinge immagini e sensazioni, avendo però cura di fornire al numeroso pubblico in sala un´avvertenza essenziale: «L´uso medievale del termine religio si riferisce a quel legame che unisce l´uomo a Dio». Nel Medioevo, allora, «le religioni non esistono». Non possono esistere. «Esiste la religione, il legame che unisce a Dio». La fides è una, è un abito che trasforma l´uomo (fides nell´accezione duplice di fiducia e di fedeltà) e che pertanto costringe "all´impossibilità obiettiva di mettere sullo stesso piano la religione con le altre religioni». Non essendo concepibili come "religioni", le religioni diverse da quella cristiana furono concepite come "eresie". «L´Islam che è una religione diversa da quella cristiana ma con radici a questa comuni o affini è stato trattato come un conglomerato di eresia cristiana».
Il ragionamento di Cardini prosegue serrato: nessuno spazio, dunque, per le religioni: «Nei confronti della fides le religioni ebraiche e mussulmane non vennero mai concepite come fides quanto piuttosto come lex».
(...)
Franco Cardini: «L´Islam che è una religione diversa da quella cristiana ma con radici a questa comuni o affini è stato trattato - ha osservato lo studioso - come un conglomerato di eresia cristiana»
di Michele Carpagnano
«Tra singolare e plurale» ovvero «la lingua e le lingue, la scrittura e le scritture, la religione e le religioni», ma anche il diritto e i diritti, il mestiere ed i mestieri: dell´unicità e della pluralità si nutrono le radici delle genti d´Europa. Al singolare e al plurale era dedicata, giovedì pomeriggio, la sesta ed ultima sezione della Settimana di Studio organizzata dall´ITC-isig di Trento, giunta alla quarantaseiesima edizione, e che come consueto ospita esperti e storici di fama nazionale ed internazionale.
Quest´anno il tema, che ha impegnato già dallo scorso lunedì i partecipanti, ha ruotato intorno alla domanda: "Quali le radici dell´Europa?". «E´ nell´età carolingia delle cattedrali, degli studia, delle città libere che vanno ricercate le radici dell´Europa moderna» ha affermato, in apertura del suo intervento, il prof. Franco Cardini che ha affrontato il tema: «La religione e le religioni».
Cardini, recitando un passo di Dante, ci traghetta nella dimensione Medievale dalla quale tutto il suo discorso attinge immagini e sensazioni, avendo però cura di fornire al numeroso pubblico in sala un´avvertenza essenziale: «L´uso medievale del termine religio si riferisce a quel legame che unisce l´uomo a Dio». Nel Medioevo, allora, «le religioni non esistono». Non possono esistere. «Esiste la religione, il legame che unisce a Dio». La fides è una, è un abito che trasforma l´uomo (fides nell´accezione duplice di fiducia e di fedeltà) e che pertanto costringe "all´impossibilità obiettiva di mettere sullo stesso piano la religione con le altre religioni». Non essendo concepibili come "religioni", le religioni diverse da quella cristiana furono concepite come "eresie". «L´Islam che è una religione diversa da quella cristiana ma con radici a questa comuni o affini è stato trattato come un conglomerato di eresia cristiana».
Il ragionamento di Cardini prosegue serrato: nessuno spazio, dunque, per le religioni: «Nei confronti della fides le religioni ebraiche e mussulmane non vennero mai concepite come fides quanto piuttosto come lex».
(...)
Talvolta ritornano (e il manifesto sempre s'adegua...)
il manifesto 26.9.03
Tra psiche e linguaggio
Domani la giornata di seminari multipli della Società di psicoanalisi
Il premio Musatti. Domani, nell'ambito dei seminari organizzati dalla Spi, il riconoscimento verrà assegnato a Aldo Gargani
di LISA MASIER
Quest'anno il convegno a seminari multipli della società psicoanalitica italiana - che si svolge domani a Bologna - ospita tra i suoi incontri di studio un dibattito con alcuni studiosi di altre discipline, sul tema: «A partire dal linguaggio: coscienza, sessualità, inconscio». A discuterne con gli psicoanalisti saranno Felice Cimatti, filosofo del linguaggio e della mente, che ha scritto più volumi sul rapporto tra pensiero animale e menti linguistiche; Vittorio Gallese, neuroscienziato, che ha partecipato alla scoperta dei cosiddetti «neuroni specchio», studioso della «simulazione incarnata» e dell'azione come modellizzazione dell'interazione con gli altri e come base dei processi di astrazione e concettualizzazione indipendenti dal linguaggio; Claudio La Rocca, filosofo della conoscenza e studioso tra l'altro dello schematismo kantiano, cioè del processo di scambio tra immagini e linguaggio, tra il codice iconico dell'immaginazione e quello linguistico-concettuale dell'intelletto. Tra gli psicoanalisti, come promotori della giornata di studio, Francesco Napolitano, autore del volume Lo specchio delle parole sul linguaggio come medium materiale dell'autotrasparenza dell'anima e della sua misteriosa capacità di riflessione, e Alberto Luchetti, tra l'altro studioso di Jean Laplanche e di Piera Aulagnier, due degli psicoanalisti che più hanno contribuito in modo originale a ripristinare la centralità della questione del linguaggio nella psicoanalisi. Non è forse vero che «fra paziente e analista non accade nulla, se non che parlano fra loro», come disse Freud descrivendo la psicoanalisi ad un immaginario interlocutore imparziale? Già agli albori della sua ricerca, del resto, Freud aveva scritto: «Il profano troverà certo difficile comprendere come disturbi patologici del corpo e della psiche possano venir eliminati attraverso le `sole' parole del medico. Egli penserà che si pretende da lui la fede nella magia. Non ha tutti i torti; le parole dei nostri discorsi quotidiani non sono altro che magia sbiadita» e la scienza non fa altro che «restituire alla parola almeno una parte della sua primitiva forza magica».
D'altra parte, la psicoanalisi non solo ha come medium la parola, ma ha via via mostrato l'importanza del linguaggio fin negli oscuri recessi dell'elaborazione del sogno e più in generale dell'inconscio, nonché il suo rilievo nella psicopatologia della vita quotidiana e nella produzione di sintomi anche corporei. Non è stata anche per questo talvolta accusata di privilegiare il linguaggio a scapito del corpo «restringendo» (le virgolette sono d'obbligo) il suo campo d'azione al dire tutto quel che viene in mente, e a non fare altro che dire?
Eppure, esattamente cinquant'anni fa (il 26-27 settembre 1953), Jacques Lacan pronunciava a Roma il suo famoso rapport su Funzione e campo della parola e del linguaggio in psicoanalisi, nel quale auspicava di rinnovare i fondamenti della psicoanalisi nel linguaggio, proprio perché reputava che si stessero incrinando e con essi si smarrisse il senso dell'esperienza psicoanalitica; mentre al contrario riteneva che i concetti psicoanalitici assumessero pieno senso solo «orientandosi in un campo di linguaggio, ordinandosi secondo la funzione della parola». A tale scopo, affermava con forza che «la legge dell'uomo è la legge del linguaggio», che l'uomo vive nel linguaggio, che «i simboli avvolgono la vita dell'uomo con una rete così totale da congiungere prima ancora della sua nascita coloro che lo genereranno 'in carne ed ossa'». Oggi, cinquant'anni dopo, sembra che la psicoanalisi scavalchi il linguaggio (come peraltro la sessualità e l'inconscio stesso) a favore di una maggiore attribuzione di importanza verso ciò che lo precede, lo trascende, e che anzi sembrerebbe costituirne il fondamento - azione, emozione, affetto, percezione, interazione - e su cui si ritiene implicitamente che esso interverrebbe solo secondariamente a riorganizzarlo e ristrutturarlo ad un diverso livello di complessità. D'altro canto, il rinnovamento degli studi nelle neuroscienze, nella filosofia del linguaggio e della mente, ma anche nell'evoluzionismo, in linguistica, in antropologia, rilanciano la questione dei rapporti tra l'azione (inestricabile da percezione, cognizione, immaginazione) e il linguaggio.
Questo permette e al tempo stesso impone di reinterrogare la fondamentalità del linguaggio, nella teoria e nella prassi psicoanalitiche ma più in generale in ogni scienza dell'uomo. Se il linguaggio è l'ambiente in cui evolve la specie umana, se la facoltà del linguaggio è la natura umana e un suo effetto è l'autocoscienza, lo specifico contributo della psicoanalisi non sta forse nell'indicare che una essenziale ricaduta dell'avvento del linguaggio nella specie umana e una sua peculiare incarnazione è la sessualità «allargata»? Quella sessualità «infantile» che non coincide con la sessualità adulta e genitale, e che abita permanentemente e conflittualmente non solo queste ultime, ma ogni relazione dell'essere umano, anche quella col proprio corpo e il proprio Io? Questa particolare sessualità, che costituisce la scoperta storica di Freud per il quale essa era alla base dell'inconscio e della costruzione e del mantenimento dell'organizzazione psichica, può essere forse il varco per pensare a un naturalismo non riduttivo in cui abbia uno spazio specifico il freudiano «apparato dell'anima»: per nulla obsoleto, esso può ancora contribuire alla comprensione e alla trasformazione dell'essere umano.
Tra psiche e linguaggio
Domani la giornata di seminari multipli della Società di psicoanalisi
Il premio Musatti. Domani, nell'ambito dei seminari organizzati dalla Spi, il riconoscimento verrà assegnato a Aldo Gargani
di LISA MASIER
Quest'anno il convegno a seminari multipli della società psicoanalitica italiana - che si svolge domani a Bologna - ospita tra i suoi incontri di studio un dibattito con alcuni studiosi di altre discipline, sul tema: «A partire dal linguaggio: coscienza, sessualità, inconscio». A discuterne con gli psicoanalisti saranno Felice Cimatti, filosofo del linguaggio e della mente, che ha scritto più volumi sul rapporto tra pensiero animale e menti linguistiche; Vittorio Gallese, neuroscienziato, che ha partecipato alla scoperta dei cosiddetti «neuroni specchio», studioso della «simulazione incarnata» e dell'azione come modellizzazione dell'interazione con gli altri e come base dei processi di astrazione e concettualizzazione indipendenti dal linguaggio; Claudio La Rocca, filosofo della conoscenza e studioso tra l'altro dello schematismo kantiano, cioè del processo di scambio tra immagini e linguaggio, tra il codice iconico dell'immaginazione e quello linguistico-concettuale dell'intelletto. Tra gli psicoanalisti, come promotori della giornata di studio, Francesco Napolitano, autore del volume Lo specchio delle parole sul linguaggio come medium materiale dell'autotrasparenza dell'anima e della sua misteriosa capacità di riflessione, e Alberto Luchetti, tra l'altro studioso di Jean Laplanche e di Piera Aulagnier, due degli psicoanalisti che più hanno contribuito in modo originale a ripristinare la centralità della questione del linguaggio nella psicoanalisi. Non è forse vero che «fra paziente e analista non accade nulla, se non che parlano fra loro», come disse Freud descrivendo la psicoanalisi ad un immaginario interlocutore imparziale? Già agli albori della sua ricerca, del resto, Freud aveva scritto: «Il profano troverà certo difficile comprendere come disturbi patologici del corpo e della psiche possano venir eliminati attraverso le `sole' parole del medico. Egli penserà che si pretende da lui la fede nella magia. Non ha tutti i torti; le parole dei nostri discorsi quotidiani non sono altro che magia sbiadita» e la scienza non fa altro che «restituire alla parola almeno una parte della sua primitiva forza magica».
D'altra parte, la psicoanalisi non solo ha come medium la parola, ma ha via via mostrato l'importanza del linguaggio fin negli oscuri recessi dell'elaborazione del sogno e più in generale dell'inconscio, nonché il suo rilievo nella psicopatologia della vita quotidiana e nella produzione di sintomi anche corporei. Non è stata anche per questo talvolta accusata di privilegiare il linguaggio a scapito del corpo «restringendo» (le virgolette sono d'obbligo) il suo campo d'azione al dire tutto quel che viene in mente, e a non fare altro che dire?
Eppure, esattamente cinquant'anni fa (il 26-27 settembre 1953), Jacques Lacan pronunciava a Roma il suo famoso rapport su Funzione e campo della parola e del linguaggio in psicoanalisi, nel quale auspicava di rinnovare i fondamenti della psicoanalisi nel linguaggio, proprio perché reputava che si stessero incrinando e con essi si smarrisse il senso dell'esperienza psicoanalitica; mentre al contrario riteneva che i concetti psicoanalitici assumessero pieno senso solo «orientandosi in un campo di linguaggio, ordinandosi secondo la funzione della parola». A tale scopo, affermava con forza che «la legge dell'uomo è la legge del linguaggio», che l'uomo vive nel linguaggio, che «i simboli avvolgono la vita dell'uomo con una rete così totale da congiungere prima ancora della sua nascita coloro che lo genereranno 'in carne ed ossa'». Oggi, cinquant'anni dopo, sembra che la psicoanalisi scavalchi il linguaggio (come peraltro la sessualità e l'inconscio stesso) a favore di una maggiore attribuzione di importanza verso ciò che lo precede, lo trascende, e che anzi sembrerebbe costituirne il fondamento - azione, emozione, affetto, percezione, interazione - e su cui si ritiene implicitamente che esso interverrebbe solo secondariamente a riorganizzarlo e ristrutturarlo ad un diverso livello di complessità. D'altro canto, il rinnovamento degli studi nelle neuroscienze, nella filosofia del linguaggio e della mente, ma anche nell'evoluzionismo, in linguistica, in antropologia, rilanciano la questione dei rapporti tra l'azione (inestricabile da percezione, cognizione, immaginazione) e il linguaggio.
Questo permette e al tempo stesso impone di reinterrogare la fondamentalità del linguaggio, nella teoria e nella prassi psicoanalitiche ma più in generale in ogni scienza dell'uomo. Se il linguaggio è l'ambiente in cui evolve la specie umana, se la facoltà del linguaggio è la natura umana e un suo effetto è l'autocoscienza, lo specifico contributo della psicoanalisi non sta forse nell'indicare che una essenziale ricaduta dell'avvento del linguaggio nella specie umana e una sua peculiare incarnazione è la sessualità «allargata»? Quella sessualità «infantile» che non coincide con la sessualità adulta e genitale, e che abita permanentemente e conflittualmente non solo queste ultime, ma ogni relazione dell'essere umano, anche quella col proprio corpo e il proprio Io? Questa particolare sessualità, che costituisce la scoperta storica di Freud per il quale essa era alla base dell'inconscio e della costruzione e del mantenimento dell'organizzazione psichica, può essere forse il varco per pensare a un naturalismo non riduttivo in cui abbia uno spazio specifico il freudiano «apparato dell'anima»: per nulla obsoleto, esso può ancora contribuire alla comprensione e alla trasformazione dell'essere umano.
Maya Sansa: un premio ad Agrigento
Il Secolo XIX 26.9.03
Intervista a Maya Sansa, premio speciale "Efebo d'Oro" di Agrigento e attrice rivelazione della stagione cinematografica in corso
«In "Buongiorno, notte" Bellocchio mi ha chiesto di abbandonare la realtà»
di Raffaella Grassi
Grande serata di premiazione domani ad Agrigento del Festival Efebo d'Oro, curato dal Centro di Ricerca per la Narrativa e il Cinema e ogni anno dedicato al miglor film della stagione tratto da un'opera letteraria. Vincitore della venticinquesima edizione è risultato Gabriele Salvatores con il film Io non ho paura tratto dal romanzo di Niccolò Ammanniti pubblicato da Einaudi, mentre il vincitore della sezione televisione è Fabrizio Costa con La cittadella, dal famoso rmanzo di Cronin. Il premio alla carriera sarà assegnato a Ettore Scola che di recente ha presentato il suo ultimo film, Gente di Roma, e il Premio Speciale Efebo d'Oro 2003 all'attrice-rivelazione dell'anno, Maya Sansa (...)
Ventotto anni, romana, voce ruvida e bellezza schiva. È lei, Maya Sansa, Premio speciale Efebo d'Oro 2003, l'attrice rivelazione della stagione cinematografica in corso, protagonista di due film importanti come Buongiorno, notte di Marco Bellocchio e La meglio Gioventò di Marco Tullio Giordana, e in uscita con Il vestito della sposa di Fiorella Infascelli, presentato a Locarno
Liceo Classico a Roma, studi di recitazione a Londra, debutto nel '99 ne La balia di Bellocchio, Maya Sansa ha al suo attivo tutti personaggi "difficili", dalla lesbica in fuga di Benzina di Monica Stambrini alla terrorisca del sequestro Moro, ispirata alla br Anna Laura Braghetti.
Maya, com'è cambiata la sua vita dopo l'exploit di Cannes e Venezia?
«Non è cambiata molto. A parte il fatto che sto viaggiando moltissimo e che ho ricevuto grandi soddisfazioni dal pubblico. Ma io sono sempre la stessa, ho cominciato a recitare tanti anni fa...»
Come è avvenuto il secondo incontro con Bellocchio per Buongiorno, notte?
«Lavorare di nuovo con lui era il mio sogno. Dopo il primo incontro mi ha fatto altri tre provini. Durissimi, perché non volevo deludere né lui né me»
In che modo si è preparata al personaggio di Chiara?
«All'inizio mi sono documentata sul caso Moro, la sceneggiatura era segreta, perché Marco stava scrivendo una nuova versione e non la faceva leggere a nessuno. Appena ho saputo che il film si ispirava al libro della Braghetti sono corsa a cercarlo. Ma ad ogni provino Bellocchio mi allontanava sempre di più dal personaggio reale, voleva che abbandonassi la realtà e mi tuffassi in quel personaggio inventato da lui e mai esistito. Chiara ha delle cose in comune con la Braghetti ma ha un suo mondo interiore e un suo modo di sgretolarsi. È un soldatino che comincia a rompersi in un percorso che nel libro non c'è, ma che ha fatto parte dell'esperienza di molltissimi brigatisti. La maggior parte di loro ha dubitato, ha avuto un momento in cui stava per mollare»
Ha conosciuto Anna Laura Braghetti?
«No, mai. All'inizio ho chiesto di incontrarla ma lei ha rifiutato.»
Prossimamente uscirà Il vestito da sposa di Fiorella Infascelli, in cui lei interpreta una donna vittima di una violenza.
«È un personaggio di forte impatto, ma la violenza subita non è la cosa fondamentale del film, che è piuttosto una metafora, la capacità di rinascita dopo un grande dolore
Intervista a Maya Sansa, premio speciale "Efebo d'Oro" di Agrigento e attrice rivelazione della stagione cinematografica in corso
«In "Buongiorno, notte" Bellocchio mi ha chiesto di abbandonare la realtà»
di Raffaella Grassi
Grande serata di premiazione domani ad Agrigento del Festival Efebo d'Oro, curato dal Centro di Ricerca per la Narrativa e il Cinema e ogni anno dedicato al miglor film della stagione tratto da un'opera letteraria. Vincitore della venticinquesima edizione è risultato Gabriele Salvatores con il film Io non ho paura tratto dal romanzo di Niccolò Ammanniti pubblicato da Einaudi, mentre il vincitore della sezione televisione è Fabrizio Costa con La cittadella, dal famoso rmanzo di Cronin. Il premio alla carriera sarà assegnato a Ettore Scola che di recente ha presentato il suo ultimo film, Gente di Roma, e il Premio Speciale Efebo d'Oro 2003 all'attrice-rivelazione dell'anno, Maya Sansa (...)
Ventotto anni, romana, voce ruvida e bellezza schiva. È lei, Maya Sansa, Premio speciale Efebo d'Oro 2003, l'attrice rivelazione della stagione cinematografica in corso, protagonista di due film importanti come Buongiorno, notte di Marco Bellocchio e La meglio Gioventò di Marco Tullio Giordana, e in uscita con Il vestito della sposa di Fiorella Infascelli, presentato a Locarno
Liceo Classico a Roma, studi di recitazione a Londra, debutto nel '99 ne La balia di Bellocchio, Maya Sansa ha al suo attivo tutti personaggi "difficili", dalla lesbica in fuga di Benzina di Monica Stambrini alla terrorisca del sequestro Moro, ispirata alla br Anna Laura Braghetti.
Maya, com'è cambiata la sua vita dopo l'exploit di Cannes e Venezia?
«Non è cambiata molto. A parte il fatto che sto viaggiando moltissimo e che ho ricevuto grandi soddisfazioni dal pubblico. Ma io sono sempre la stessa, ho cominciato a recitare tanti anni fa...»
Come è avvenuto il secondo incontro con Bellocchio per Buongiorno, notte?
«Lavorare di nuovo con lui era il mio sogno. Dopo il primo incontro mi ha fatto altri tre provini. Durissimi, perché non volevo deludere né lui né me»
In che modo si è preparata al personaggio di Chiara?
«All'inizio mi sono documentata sul caso Moro, la sceneggiatura era segreta, perché Marco stava scrivendo una nuova versione e non la faceva leggere a nessuno. Appena ho saputo che il film si ispirava al libro della Braghetti sono corsa a cercarlo. Ma ad ogni provino Bellocchio mi allontanava sempre di più dal personaggio reale, voleva che abbandonassi la realtà e mi tuffassi in quel personaggio inventato da lui e mai esistito. Chiara ha delle cose in comune con la Braghetti ma ha un suo mondo interiore e un suo modo di sgretolarsi. È un soldatino che comincia a rompersi in un percorso che nel libro non c'è, ma che ha fatto parte dell'esperienza di molltissimi brigatisti. La maggior parte di loro ha dubitato, ha avuto un momento in cui stava per mollare»
Ha conosciuto Anna Laura Braghetti?
«No, mai. All'inizio ho chiesto di incontrarla ma lei ha rifiutato.»
Prossimamente uscirà Il vestito da sposa di Fiorella Infascelli, in cui lei interpreta una donna vittima di una violenza.
«È un personaggio di forte impatto, ma la violenza subita non è la cosa fondamentale del film, che è piuttosto una metafora, la capacità di rinascita dopo un grande dolore
fortuna e sfortuna
La Stampa TuttoScienze 24.9.03
PSICOLOGIA SPERIMENTALE
La malasorte colpisce chi se la va a cercare
L’INDOLE OTTIMISTICA PERMETTE SPESSO DI SFRUTTARE LE OCCASIONI PROPIZIE E DI ADATTARSI PIU’ FACILMENTE A NUOVE SITUAZIONI. LE RICERCHE DI UNO STUDIOSO INGLESE CHE HA ISTITUITO ADDIRITTURA UN «CORSO DI FORTUNA»
di Luigi Garlaschelli (*)
RICHARD Wiseman è uno psicologo dell'Università inglese dell’Hertfordshire che ottiene spesso gli onori della cronaca per alcune sue ricerche sui presunti fenomeni paranormali: è anche membro del Csicop, un comitato che, come in Italia il Cicap (Comitato italiano per il controllo delle affermazioni sul paranormale), esamina criticamente i fenomeni che si presentano come anomali rispetto alle conoscenze scientifiche consolidate.
Wiseman ama utilizzare grandi numeri di soggetti nei suoi test (a volte anche con esperimenti on-line su Internet), per ottenere risultati statisticamente inattaccabili. Per esempio, ha condotto il più grande esperimento di telepatia della storia: le migliaia di spettatori di un concerto rock dovevano "trasmettere", tutti insieme, a un "ricevente" isolato in una stanzetta, l'immagine comparsa sul megaschermo dello stadio (per la cronaca, l'esperimento non è riuscito). Ha portato in giro per la Gran Bretagna una specie di macchina elettronica, che i giocatori dovevano cercare di "influenzare" facendo uscire più volte "testa" di "croce", oppure prevedere le uscite (nessun risultato dopo un anno, e mezzo milione di prove). Nel castello di Edimburgo con telecamere, sensori elettronici e molti volontari ha tentato di capire se, quando e perché qualcuno ritenesse di vedere dei fantasmi. Ma una decina di anni fa Wiseman decise di dedicarsi alla più elusiva delle credenze. La fortuna, la superstizione e il fato sono spesso percepite come forze misteriose che si tenta di dominare adottando comportamenti magici e scaramantici. Indossiamo amuleti e corni per attirare la buona sorte, evitiamo di rovesciare il sale per non allontanarla. Alcuni ci credono, altri ne ridono. Eppure, considerando l'esistenza dei nostri conoscenti, sembra proprio vero che alcune persone siano sempre baciate dal destino, mentre altre sono tormentate dai rovesci della malasorte.
Wiseman è uno studioso sperimentale, non si perde in disquisizioni su concetti vaghi e indefiniti come "caso" e "destino". Si è quindi affidato a una serie di esperimenti di laboratorio a dir poco singolari, compiuti da lui e altri ricercatori nel corso degli anni. In uno di questi, si induceva un gatto nero ad attraversare la strada di un gruppo di persone, mentre per un altro gruppo se ne usava uno bianco, verificando poi se uno dei gruppi aveva più fortuna al gioco (statisticamente, nessuna differenza). Analogamente, alcuni soggetti portavano dei ciondoli portafortuna comperati in un centro New Age (nessuna differenza con coloro che ne erano privi). Si rompevano specchi, si passava sotto scale, si rovesciava del sale. Risultato: nessuno di questi comportamenti superstiziosi influenza la dea bendata. Utilizzando 400 persone dai 18 agli 84 anni, una metà dei quali si riteneva molto fortunata e l'altra metà molto sfortunata, Wiseman decise allora di capire se non è il modo in cui noi affrontiamo e reagiamo alle esperienze della vita a renderci fortunati o meno. Ad esempio, non sarà che chi è nato con la camicia sa cogliere le occasioni favorevoli quando gli si presentano, mentre altri se le fanno sfuggire, tutti tesi solo a ciò che hanno in mente? Ecco allora un esperimento: fece sfogliare una rivista ai soggetti sotto studio, dicendo di contare quante fotografie vi comparivano. Ebbene, la maggioranza del gruppo degli "sfortunati" contò le immagini e restituì la rivista mediamente dopo due minuti. Invece la maggioranza dei "fortunati" si accorse che a pagina due una nota diceva chiaramente "Non contate oltre: questa rivista contiene 43 immagini", e che un'altra nota a metà della rivista, grande quanto la pagina, offriva "250 sterline se riferite di avere visto questa pagina". E ancora: non sarà che gli sfortunati vedono "il bicchiere mezzo vuoto", mentre i fortunati "mezzo pieno"? Wiseman chiese ai soggetti di immaginare di essere stati testimoni di una rapina a mano armata, durante la quale sarebbero stati lievemente feriti a un braccio. I commenti degli "sfortunati" a questo episodio immaginario erano tutti negativi ("proprio a me doveva capitare, potevo rimetterci la vita"); invece, i "fortunati" sapevano ragionare in modo controfattuale, vedendo anche in questa circostanza un lato buono ("me la sono cavata bene, ho avuto solo un graffio... e forse verrò anche intervistato dalla tv"). Sfruttare le occasioni favorevoli; cambiare le proprie abitudini; ascoltare di più il proprio intuito; pensare che le cose sarebbero potute andare peggio, anziché lamentarsi perché non sono andate meglio; guardare con ottimismo il futuro. Sono tutti fattori importanti che Wiseman ha individuato nei "baciati dal destino". Su queste ricerche Wiseman ha anche scritto un libro (in uscita nella traduzione italiana nel prossimo ottobre, con il titolo "Il fattore fortuna", editore Sonzogno) e ha creato un sito internet (www.luckfactor.co.uk). Ma ha fatto anche di più: ha spiegato agli "sfortunati" perché essi erano tali, facendo loro frequentare un vero e proprio Corso di Fortuna. I risultati sono stati incredibili: l'ottanta per cento di questi strani studenti ha cambiato il proprio atteggiamento e ora ritengono che il destino sorrida loro. Insomma, è dimostrato scientificamente che avevano ragione gli antichi: «Faber est suae quisque fortunae»: ognuno è artefice del proprio destino.
(*)Università di Pavia
PSICOLOGIA SPERIMENTALE
La malasorte colpisce chi se la va a cercare
L’INDOLE OTTIMISTICA PERMETTE SPESSO DI SFRUTTARE LE OCCASIONI PROPIZIE E DI ADATTARSI PIU’ FACILMENTE A NUOVE SITUAZIONI. LE RICERCHE DI UNO STUDIOSO INGLESE CHE HA ISTITUITO ADDIRITTURA UN «CORSO DI FORTUNA»
di Luigi Garlaschelli (*)
RICHARD Wiseman è uno psicologo dell'Università inglese dell’Hertfordshire che ottiene spesso gli onori della cronaca per alcune sue ricerche sui presunti fenomeni paranormali: è anche membro del Csicop, un comitato che, come in Italia il Cicap (Comitato italiano per il controllo delle affermazioni sul paranormale), esamina criticamente i fenomeni che si presentano come anomali rispetto alle conoscenze scientifiche consolidate.
Wiseman ama utilizzare grandi numeri di soggetti nei suoi test (a volte anche con esperimenti on-line su Internet), per ottenere risultati statisticamente inattaccabili. Per esempio, ha condotto il più grande esperimento di telepatia della storia: le migliaia di spettatori di un concerto rock dovevano "trasmettere", tutti insieme, a un "ricevente" isolato in una stanzetta, l'immagine comparsa sul megaschermo dello stadio (per la cronaca, l'esperimento non è riuscito). Ha portato in giro per la Gran Bretagna una specie di macchina elettronica, che i giocatori dovevano cercare di "influenzare" facendo uscire più volte "testa" di "croce", oppure prevedere le uscite (nessun risultato dopo un anno, e mezzo milione di prove). Nel castello di Edimburgo con telecamere, sensori elettronici e molti volontari ha tentato di capire se, quando e perché qualcuno ritenesse di vedere dei fantasmi. Ma una decina di anni fa Wiseman decise di dedicarsi alla più elusiva delle credenze. La fortuna, la superstizione e il fato sono spesso percepite come forze misteriose che si tenta di dominare adottando comportamenti magici e scaramantici. Indossiamo amuleti e corni per attirare la buona sorte, evitiamo di rovesciare il sale per non allontanarla. Alcuni ci credono, altri ne ridono. Eppure, considerando l'esistenza dei nostri conoscenti, sembra proprio vero che alcune persone siano sempre baciate dal destino, mentre altre sono tormentate dai rovesci della malasorte.
Wiseman è uno studioso sperimentale, non si perde in disquisizioni su concetti vaghi e indefiniti come "caso" e "destino". Si è quindi affidato a una serie di esperimenti di laboratorio a dir poco singolari, compiuti da lui e altri ricercatori nel corso degli anni. In uno di questi, si induceva un gatto nero ad attraversare la strada di un gruppo di persone, mentre per un altro gruppo se ne usava uno bianco, verificando poi se uno dei gruppi aveva più fortuna al gioco (statisticamente, nessuna differenza). Analogamente, alcuni soggetti portavano dei ciondoli portafortuna comperati in un centro New Age (nessuna differenza con coloro che ne erano privi). Si rompevano specchi, si passava sotto scale, si rovesciava del sale. Risultato: nessuno di questi comportamenti superstiziosi influenza la dea bendata. Utilizzando 400 persone dai 18 agli 84 anni, una metà dei quali si riteneva molto fortunata e l'altra metà molto sfortunata, Wiseman decise allora di capire se non è il modo in cui noi affrontiamo e reagiamo alle esperienze della vita a renderci fortunati o meno. Ad esempio, non sarà che chi è nato con la camicia sa cogliere le occasioni favorevoli quando gli si presentano, mentre altri se le fanno sfuggire, tutti tesi solo a ciò che hanno in mente? Ecco allora un esperimento: fece sfogliare una rivista ai soggetti sotto studio, dicendo di contare quante fotografie vi comparivano. Ebbene, la maggioranza del gruppo degli "sfortunati" contò le immagini e restituì la rivista mediamente dopo due minuti. Invece la maggioranza dei "fortunati" si accorse che a pagina due una nota diceva chiaramente "Non contate oltre: questa rivista contiene 43 immagini", e che un'altra nota a metà della rivista, grande quanto la pagina, offriva "250 sterline se riferite di avere visto questa pagina". E ancora: non sarà che gli sfortunati vedono "il bicchiere mezzo vuoto", mentre i fortunati "mezzo pieno"? Wiseman chiese ai soggetti di immaginare di essere stati testimoni di una rapina a mano armata, durante la quale sarebbero stati lievemente feriti a un braccio. I commenti degli "sfortunati" a questo episodio immaginario erano tutti negativi ("proprio a me doveva capitare, potevo rimetterci la vita"); invece, i "fortunati" sapevano ragionare in modo controfattuale, vedendo anche in questa circostanza un lato buono ("me la sono cavata bene, ho avuto solo un graffio... e forse verrò anche intervistato dalla tv"). Sfruttare le occasioni favorevoli; cambiare le proprie abitudini; ascoltare di più il proprio intuito; pensare che le cose sarebbero potute andare peggio, anziché lamentarsi perché non sono andate meglio; guardare con ottimismo il futuro. Sono tutti fattori importanti che Wiseman ha individuato nei "baciati dal destino". Su queste ricerche Wiseman ha anche scritto un libro (in uscita nella traduzione italiana nel prossimo ottobre, con il titolo "Il fattore fortuna", editore Sonzogno) e ha creato un sito internet (www.luckfactor.co.uk). Ma ha fatto anche di più: ha spiegato agli "sfortunati" perché essi erano tali, facendo loro frequentare un vero e proprio Corso di Fortuna. I risultati sono stati incredibili: l'ottanta per cento di questi strani studenti ha cambiato il proprio atteggiamento e ora ritengono che il destino sorrida loro. Insomma, è dimostrato scientificamente che avevano ragione gli antichi: «Faber est suae quisque fortunae»: ognuno è artefice del proprio destino.
(*)Università di Pavia
Exit
Galileo 26.9.03
SUICIDIO ASSISTITO
“Un diritto della persona”
di Monica Soldano
L’individuo morente, in condizioni di grande sofferenza fisica e psicologica deve essere rispettato e tutelato nel suo libero arbitrio. E’ questo il messaggio lanciato dal Congresso internazionale sulle decisioni di fine vita che si è svolto a Roma il 22 settembre scorso. Un’iniziativa che rientra nel progetto europeo Ethicatt (link spalla), cui partecipa la facoltà di Sociologia dell’Università la Sapienza, organizzatrice dell’evento romano. Tra i numerosi relatori internazionali, c’era anche Jèrome Sobel, medico e presidente della sezione svizzera di Exit, una delle 30 organizzazioni in Europa che senza scopo di lucro sono impegnate nel diritto a morire con dignità. Galileo ha raccolto la sua testimonianza.
Dottor Sobel, qual è la sua qualifica professionale?
“Sono un medico otorinolaringoiatra e chirurgo maxillofacciale”.
Chi si rivolge a Exit?
“Quando un cittadino svizzero è in una grave condizione fisica e psicologia, affetto da una malattia allo stadio terminale, può contattarci. Noi, dopo un’attenta verifica dei requisiti e di tutta la documentazione, valutiamo se accogliere la domanda di suicidio assistito. A quel punto, inviamo qualcuno del nostro gruppo di lavoro o vado io stesso a trovarlo”.
Quali sono i requisiti che rendono ammissibile la richiesta?
“Prima di tutto la richiesta deve provenire da una persona ancora capace di intendere e volere, ed essere ripetuta a distanza di qualche giorno. La malattia di cui soffre deve essere dichiarata incurabile e le sofferenze devono essere intollerabili, sia dal punto di vista fisico che psichico. Occorre anche che la prognosi sia fatale. Non solo, il paziente deve essere in grado di autosomministrarsi il farmaco della ‘buona morte’”.
Qual è la differenza tra suicidio assistito ed eutanasia?
“E’ sostanziale: nessuno agisce per favorire la morte del malato, se non egli stesso. L’assistenza che Exit dà al morente è ben altra cosa. Noi ci assicuriamo che non ci siano interessi diversi da quelli di una caritatevole azione. Non devono esserci parenti in attesa di eredità o interessi personali di alcun tipo. Io personalmente sostengo i colloqui con il paziente e con la famiglia. Ogni caso è a sé e va valutato il contesto. Occorre, inoltre accertarsi che il paziente non stia attraversando fasi depressive ma che ci sia serenità nella decisione”.
E le cure palliative?
“A volte non possono nulla, soprattutto sulla sofferenza psicologica di chi è senza speranza e assiste a una degenerazione progressiva. Altre volte, la sedazione intensa peggiora solo lo stato di coscienza e di lucidità”.
Qual è il ruolo del medico in tutto ciò?
“Prescrive il farmaco, valuta il caso clinico, ma sostanzialmente fa l’accompagnatore. In Svizzera dal 2001 è stato sconfitto il forte tabù che ritiene contraddittoria la figura del medico che cura e salva la vita con quella del medico che accompagna alla buona morte. L’Accademia delle Scienze Mediche ha dichiarato che l’assistenza al suicidio assistito può essere considerata parte dell’attività medica. Ma chiunque, un amico o un familiare, può offrire la stessa assistenza senza essere perseguito per legge. Una volta mi capitò di avere al mio fianco un pastore amico del morente, che gli recitava i suoi salmi preferiti”.
Cosa prova quando assiste qualcuno nel momento della sua morte? In fondo è arrivata prima del tempo, anche grazie a lei…
“Quella persona era in ogni caso destinata a morire. Sento di aver fatto ciò che quella persona in tutta libertà e coscienza mi ha chiesto di fare. E’ un atto estremo di rispetto per la sua dignità. Ciò non mi sottrae a una grande commozione. Per qualche giorno questo sentimento mi coinvolge, ma mi dà anche la forza di continuare”.
E’ prevista un’assistenza psicologica per i volontari di Exit?
“Non in modo organizzato. Di certo con il mio gruppo condividiamo i singoli casi e li discutiamo a lungo. Ciò ci permette anche di avere un sostegno psicologico. Ma, probabilmente, lei ha ragione: è una delle questioni di cui dovremmo occuparci”.
Che cosa l’ha spinta a impegnarsi con Exit?
“Una storia personale. Mia nonna era gravemente ammalata e il suo dolore fisico era indescrivibile. Io ero molto legato a lei e a mio nonno. Sentirmi così impotente di fronte alle sue sofferenze mi ha fatto capire che la morte merita di essere vissuta con serenità e dignità, proprio come la vita”.
SUICIDIO ASSISTITO
“Un diritto della persona”
di Monica Soldano
L’individuo morente, in condizioni di grande sofferenza fisica e psicologica deve essere rispettato e tutelato nel suo libero arbitrio. E’ questo il messaggio lanciato dal Congresso internazionale sulle decisioni di fine vita che si è svolto a Roma il 22 settembre scorso. Un’iniziativa che rientra nel progetto europeo Ethicatt (link spalla), cui partecipa la facoltà di Sociologia dell’Università la Sapienza, organizzatrice dell’evento romano. Tra i numerosi relatori internazionali, c’era anche Jèrome Sobel, medico e presidente della sezione svizzera di Exit, una delle 30 organizzazioni in Europa che senza scopo di lucro sono impegnate nel diritto a morire con dignità. Galileo ha raccolto la sua testimonianza.
Dottor Sobel, qual è la sua qualifica professionale?
“Sono un medico otorinolaringoiatra e chirurgo maxillofacciale”.
Chi si rivolge a Exit?
“Quando un cittadino svizzero è in una grave condizione fisica e psicologia, affetto da una malattia allo stadio terminale, può contattarci. Noi, dopo un’attenta verifica dei requisiti e di tutta la documentazione, valutiamo se accogliere la domanda di suicidio assistito. A quel punto, inviamo qualcuno del nostro gruppo di lavoro o vado io stesso a trovarlo”.
Quali sono i requisiti che rendono ammissibile la richiesta?
“Prima di tutto la richiesta deve provenire da una persona ancora capace di intendere e volere, ed essere ripetuta a distanza di qualche giorno. La malattia di cui soffre deve essere dichiarata incurabile e le sofferenze devono essere intollerabili, sia dal punto di vista fisico che psichico. Occorre anche che la prognosi sia fatale. Non solo, il paziente deve essere in grado di autosomministrarsi il farmaco della ‘buona morte’”.
Qual è la differenza tra suicidio assistito ed eutanasia?
“E’ sostanziale: nessuno agisce per favorire la morte del malato, se non egli stesso. L’assistenza che Exit dà al morente è ben altra cosa. Noi ci assicuriamo che non ci siano interessi diversi da quelli di una caritatevole azione. Non devono esserci parenti in attesa di eredità o interessi personali di alcun tipo. Io personalmente sostengo i colloqui con il paziente e con la famiglia. Ogni caso è a sé e va valutato il contesto. Occorre, inoltre accertarsi che il paziente non stia attraversando fasi depressive ma che ci sia serenità nella decisione”.
E le cure palliative?
“A volte non possono nulla, soprattutto sulla sofferenza psicologica di chi è senza speranza e assiste a una degenerazione progressiva. Altre volte, la sedazione intensa peggiora solo lo stato di coscienza e di lucidità”.
Qual è il ruolo del medico in tutto ciò?
“Prescrive il farmaco, valuta il caso clinico, ma sostanzialmente fa l’accompagnatore. In Svizzera dal 2001 è stato sconfitto il forte tabù che ritiene contraddittoria la figura del medico che cura e salva la vita con quella del medico che accompagna alla buona morte. L’Accademia delle Scienze Mediche ha dichiarato che l’assistenza al suicidio assistito può essere considerata parte dell’attività medica. Ma chiunque, un amico o un familiare, può offrire la stessa assistenza senza essere perseguito per legge. Una volta mi capitò di avere al mio fianco un pastore amico del morente, che gli recitava i suoi salmi preferiti”.
Cosa prova quando assiste qualcuno nel momento della sua morte? In fondo è arrivata prima del tempo, anche grazie a lei…
“Quella persona era in ogni caso destinata a morire. Sento di aver fatto ciò che quella persona in tutta libertà e coscienza mi ha chiesto di fare. E’ un atto estremo di rispetto per la sua dignità. Ciò non mi sottrae a una grande commozione. Per qualche giorno questo sentimento mi coinvolge, ma mi dà anche la forza di continuare”.
E’ prevista un’assistenza psicologica per i volontari di Exit?
“Non in modo organizzato. Di certo con il mio gruppo condividiamo i singoli casi e li discutiamo a lungo. Ciò ci permette anche di avere un sostegno psicologico. Ma, probabilmente, lei ha ragione: è una delle questioni di cui dovremmo occuparci”.
Che cosa l’ha spinta a impegnarsi con Exit?
“Una storia personale. Mia nonna era gravemente ammalata e il suo dolore fisico era indescrivibile. Io ero molto legato a lei e a mio nonno. Sentirmi così impotente di fronte alle sue sofferenze mi ha fatto capire che la morte merita di essere vissuta con serenità e dignità, proprio come la vita”.
i disturbi psichiatrici dell'infanzia a Roma, un dato
Corriere della Sera Cronaca di Roma 26.9.03
FATEBENEFRATELLI
Indagine: disturbi psichiatrici
Il 20% dei bambini romani soffre di disturbi psichiatrici di varia natura che necessitano di una valutazione, ma solo il 10% si rivolge ai servizi sanitari. Il dato è emerso da una indagine presentata nel V convegno dell’Afar, l’Associazione Fatebenefratelli per la ricerca biomedica e sanitaria.
FATEBENEFRATELLI
Indagine: disturbi psichiatrici
Il 20% dei bambini romani soffre di disturbi psichiatrici di varia natura che necessitano di una valutazione, ma solo il 10% si rivolge ai servizi sanitari. Il dato è emerso da una indagine presentata nel V convegno dell’Afar, l’Associazione Fatebenefratelli per la ricerca biomedica e sanitaria.
giovedì 25 settembre 2003
gli italiani e il sesso
La Stampa 25 Settembre 2003
UNA RICERCA CONDOTTA DALLA SOCIETÀ ITALIANA DI MEDICINA GENERALE
Gli italiani e il sesso? Un disastro
Un uomo e una donna su due sono insoddisfatti
di Daniela Daniele
ROMA
Dopo gli andrologi, gli psicologi e i sessuologi, tocca ai medici di famiglia curiosare tra le lenzuola degli italiani. Ecco, quindi, lo sgradito dossier a tinte fosche: il 53,7 per cento dei maschi e il 58,8 per cento delle femmine lasciano il letto insoddisfatti. E non per colpa del materasso.
Lo svela una ricerca condotta dalla Società italiana di medicina generale (Simg) sulla base di seicento questionari distribuiti negli ambulatori sul territorio e compilati dai pazienti in forma anonima. Uno studio già pubblicato sul British Medical Journal.
Illustrati nel corso di una conferenza stampa di presentazione del primo Congresso nazionale sulla sessualità in medicina generale, «Il desiderio e le parole», che si aprirà a Palermo venerdì prossimo, i risultati dell’indagine danno un brutto colpo al tanto decantato eros latino.
Per quanto riguarda gli uomini, il problema più serio è quello di sempre: l'erezione. Il 35,9% dei 270 maschi intervistati ha ammesso che, sia per l’ansia da prestazione o per altre insidie psicologiche, ha difficoltà a mantenere eretto l'organo sessuale. Il 35,4% ha lamentato problemi già nella fase iniziale del rapporto; il 32,3% fatica a raggiungere l'orgasmo e il 29,3% getta la spugna al momento della penetrazione.
Pochi motivi di spensieratezza anche nelle risposte al femminile: il 46,6% ha ammesso di non riuscire a portare a termine il rapporto, il 30,1% ammette di avere problemi di orgasmo e il 26,9% di lubrificazione inadeguata del proprio organo sessuale.
E dopo il “come”, passiamo al “quante volte”. Anche su questo aspetto della faccenda tira una brutta aria: il 7% degli uomini e il 15% delle donne hanno dichiarato di non avere avuto rapporti sessuali nell'ultimo mese.
Forse, ci si dice speranzosi, si tratta di ultrasettantenni (che pure hanno una loro, spesso soddisfacente, vita sessuale). Il dato più allarmante, invece, come spiega Raffaella Michieli, responsabile area Salute della Simg, «è rappresentato dal fatto che si parla di problemi lamentati da un campione di maschi e femmine in maggioranza giovane (il 32,1% ha dai 20 ai 39 anni e il 21,9% tra i 40 e i 49 anni), in buone condizioni di salute generale e che nell'ultimo mese ha avuto un desiderio o uno stimolo sessuale. Solo che poi, al momento dei fatti, le cose sono andate diversamente».
E se abbiamo l’impressione che il letargo del sesso negli italiani sia un po’ troppo prolungato, non consolano certo le parole della professoressa Chiara Simonelli, psicosessuologa della Sapienza di Roma, che ritiene le cifre di cui sopra addirittura sottostimate. «Un altro elemento su cui occorre soffermarsi con attenzione - aggiunge - è rappresentato dall'elevata percentuale di persone che dichiara di astenersi dal rapporto sessuale. L’interpretazione, in questo caso, può essere duplice. Da una parte, abbiamo le donne che fanno una rinuncia consapevole e sono in particolare quelle single tra i 30 e i 40 anni, alla ricerca di rapporti significativi e non solo dunque di sesso fine a se stesso; dall'altra, le coppie stabili nelle quali l'uomo sospende l'attività sessuale in casa perchè ha altre relazioni al di fuori della famiglia. E anche in questo caso è ancora la donna a essere tagliata fuori dalla sessualità».
Sonno dei sensi, ma a quale prezzo? Gli esperti della Simg dicono che una situazione sessuale mortificata può scatenare ipocondria, nervosismo, tensione e somatizzazioni di ogni genere. Consigliano, dunque, di parlarne dapprima con il medico di famiglia che può evitare al proprio assistito di ricorrere a figure non competenti per risolvere il suo problema.
Su questa base prende forma il convegno di Palermo «voluto - conclude Raffaella Michieli - per affrontare e discutere queste problematiche proprio partendo dall'ambulatorio del medico di famiglia e dalla sua conoscenza dell’assistito e dell’ambiente in cui vive».
UNA RICERCA CONDOTTA DALLA SOCIETÀ ITALIANA DI MEDICINA GENERALE
Gli italiani e il sesso? Un disastro
Un uomo e una donna su due sono insoddisfatti
di Daniela Daniele
ROMA
Dopo gli andrologi, gli psicologi e i sessuologi, tocca ai medici di famiglia curiosare tra le lenzuola degli italiani. Ecco, quindi, lo sgradito dossier a tinte fosche: il 53,7 per cento dei maschi e il 58,8 per cento delle femmine lasciano il letto insoddisfatti. E non per colpa del materasso.
Lo svela una ricerca condotta dalla Società italiana di medicina generale (Simg) sulla base di seicento questionari distribuiti negli ambulatori sul territorio e compilati dai pazienti in forma anonima. Uno studio già pubblicato sul British Medical Journal.
Illustrati nel corso di una conferenza stampa di presentazione del primo Congresso nazionale sulla sessualità in medicina generale, «Il desiderio e le parole», che si aprirà a Palermo venerdì prossimo, i risultati dell’indagine danno un brutto colpo al tanto decantato eros latino.
Per quanto riguarda gli uomini, il problema più serio è quello di sempre: l'erezione. Il 35,9% dei 270 maschi intervistati ha ammesso che, sia per l’ansia da prestazione o per altre insidie psicologiche, ha difficoltà a mantenere eretto l'organo sessuale. Il 35,4% ha lamentato problemi già nella fase iniziale del rapporto; il 32,3% fatica a raggiungere l'orgasmo e il 29,3% getta la spugna al momento della penetrazione.
Pochi motivi di spensieratezza anche nelle risposte al femminile: il 46,6% ha ammesso di non riuscire a portare a termine il rapporto, il 30,1% ammette di avere problemi di orgasmo e il 26,9% di lubrificazione inadeguata del proprio organo sessuale.
E dopo il “come”, passiamo al “quante volte”. Anche su questo aspetto della faccenda tira una brutta aria: il 7% degli uomini e il 15% delle donne hanno dichiarato di non avere avuto rapporti sessuali nell'ultimo mese.
Forse, ci si dice speranzosi, si tratta di ultrasettantenni (che pure hanno una loro, spesso soddisfacente, vita sessuale). Il dato più allarmante, invece, come spiega Raffaella Michieli, responsabile area Salute della Simg, «è rappresentato dal fatto che si parla di problemi lamentati da un campione di maschi e femmine in maggioranza giovane (il 32,1% ha dai 20 ai 39 anni e il 21,9% tra i 40 e i 49 anni), in buone condizioni di salute generale e che nell'ultimo mese ha avuto un desiderio o uno stimolo sessuale. Solo che poi, al momento dei fatti, le cose sono andate diversamente».
E se abbiamo l’impressione che il letargo del sesso negli italiani sia un po’ troppo prolungato, non consolano certo le parole della professoressa Chiara Simonelli, psicosessuologa della Sapienza di Roma, che ritiene le cifre di cui sopra addirittura sottostimate. «Un altro elemento su cui occorre soffermarsi con attenzione - aggiunge - è rappresentato dall'elevata percentuale di persone che dichiara di astenersi dal rapporto sessuale. L’interpretazione, in questo caso, può essere duplice. Da una parte, abbiamo le donne che fanno una rinuncia consapevole e sono in particolare quelle single tra i 30 e i 40 anni, alla ricerca di rapporti significativi e non solo dunque di sesso fine a se stesso; dall'altra, le coppie stabili nelle quali l'uomo sospende l'attività sessuale in casa perchè ha altre relazioni al di fuori della famiglia. E anche in questo caso è ancora la donna a essere tagliata fuori dalla sessualità».
Sonno dei sensi, ma a quale prezzo? Gli esperti della Simg dicono che una situazione sessuale mortificata può scatenare ipocondria, nervosismo, tensione e somatizzazioni di ogni genere. Consigliano, dunque, di parlarne dapprima con il medico di famiglia che può evitare al proprio assistito di ricorrere a figure non competenti per risolvere il suo problema.
Su questa base prende forma il convegno di Palermo «voluto - conclude Raffaella Michieli - per affrontare e discutere queste problematiche proprio partendo dall'ambulatorio del medico di famiglia e dalla sua conoscenza dell’assistito e dell’ambiente in cui vive».
Giancarlo Santalmassi e Adriano Ossicini, su «Buongiorno, notte»
(segnalato da Licia Pastore e da Lucia Ianniello, che segnala anche un articolo apparso su Il Giornale di oggi, dal titolo: "L'effetto Bellocchio sulle librerie: tornano Braghetti, Faranda & c." che non sono riuscito a trovare in rete)
Il Riformista 25 Settembre 2003
SVOLTE. L'ULTIMO ATTO DI RESISTENZA AL DOMINIO DELLE REAZIONI EMOTIVE
Buongiorno, notte: come eravamo al Tg2
Perché Bellocchio nel suo film ci ha preferito al Tg1: l’età del’innocenza tv finì allora, non a Vermicino
di Giancarlo Santalmassi
Del contenuto di Buongiorno, notte sì è discusso molto, ma sarebbe giusto parlare anche del linguaggio usato dal regista. Oltre a quello cinematografico c'è anche quello documentario, teatrale e televisivo. Del repertorio cinematografico e documentario ci sono I tre canti di Lenin di Dziga Vertov; Paisà di Roberto Rossellini; I 600 giorni di Salò di Nicola Caracciolo: servono per esprimere l'opinione dell'autore sulla formazione ideologica dei terroristi e sulla loro confusione culturale.
La finzione «teatrale» è così spuria rispetto al contesto da sembrare girata a parte: Paolo VI che butta per aria la lettera con i consigli che gli vengono dai palazzi della politica; e poi la seduta spiritica, in cui lo stesso regista si include tra gli spettatori. Sequenze in cui Bellocchio sembra esprime un suo giudizio tra il rabbioso e lo scettico sulla possibilità di ottenere la liberazione del prigioniero, o di scoprire il suo carcere.
Infine c'è il linguaggio della Tv. Per Bellocchio (Repubblica 15 settembre), «È un personaggio molto rilevante, una presenza costante nel covo, che ha la funzione di mescolare la realtà storica con la finzione cinematografica. Una Tv che restituisce forte la realtà». Ed è della Tv che vorrei parlare perché nel '78 c'ero e sono anche oggi nel film, visto che Bellocchio ha scelto proprio l'edizione straordinaria del Tg2 da me condotta per introdurre questo «personaggio» che i brigatisti guardano con la stessa ansia con cui scrutano gli elicotteri in volo su Roma alla ricerca di tracce dello statista democristiano. Sono immagini che ci restituiscono una televisione fortemente diversa, nella quale sono bene in evidenza le tracce della crisi della Rai di oggi.
Dunque, perché il Tg2 e non il Tg1? La risposta è nell'analisi dei Tg Rai di quel giorno (ma anche di Tv private, di Gr pubblici e privati e di quotidiani di opinione e di partito) condotta da un gruppo di ricerca dell'Università di Roma coordinato dal prof. Mario Morcellini e uscita col titolo «Il ruolo dell'informazione in una situazione di emergenza: 16 marzo 1978». Lo dice con chiarezza a pagina 176 e dintorni: «L'edizione straordinaria del Tg1 appare contraddistinta dalla costante preoccupazione di assicurare largo spazio alle valutazioni e commenti dei membri ufficiali del sistema politico. Il modo in cui viene assolto il compito di comunicare l'eccezionale gravità dell'accaduto è costituito dal privilegio costantemente accordato ai richiami emotivi, dall'uso di registri congestionati, di elevate ridondanze e insistenza su elementi di dettaglio che contribuiscono a conferire all'informazione teletrasmessa dal Tg1 una forte connotazione drammatica, determinata anche dalle continue interruzioni dalla regia, dall'intervento improvviso di altri redattori, cui si accompagna l'assenza di indicazioni sulle reazioni popolari, col pericolo di rinchiudere il telespettatore in una prospettiva meramente individuale. Nel Tg2 sembra prevalere l'esigenza di facilitare negli utenti – accanto ad una comprensione razionale dell'accaduto, delle possibili cause che l'hanno determinato e delle sue conseguenze politiche – il dominio delle loro reazioni emotive. Così può forse interpretarsi l'ordine e la compostezza dello studio centrale interamente gestito da un unico conduttore cui va aggiunta l'importanza accordata sin dai primi momenti alle reazioni popolari nel palese tentativo di convogliare le energie individuali e le tensioni emotive verso forme di impegno e di mobilitazione nella straordinaria anche un importante collegamento col processo alle Br in corso a Torino, sulla consapevolezza del sequestro di Moro tra i brigatisti in carcere e l'impatto su una città già colpita dagli assassinii di Casalegno, Berardi, Coco, Croce e un collegamento con Montecitorio con Emmanuele Rocco, autore di una nota che può forse essere interpretata come l'unico vero momento di esplicita riflessione sulle generali conseguenze del fatto».
Una diagnosi impietosa. Si discute ancora se oggi sia «servizio pubblico» la tv dell'emozione, dell'enfasi, della lacrima e del dolore. Dopo la riforma del '75 i giornalisti del vecchio telegiornale unico di area cattolico-democristiana optarono in maggioranza per il Tg1. Gli altri, quelli dei settimanali come Tv7 o di «AZ-un fatto come e perché» (qui si era formata la mia esperienza), di area laica, socialista e comunista, scelsero il Tg2. Andrea Barbato, Aldo Falivena, Ennio Mastrostefano, Italo Moretti, Piero Angela, Brando Giordani, Sergio Zavoli erano le armi per combattere la concorrenza fortissima nata mediaticamente nel 1975 tra la destra e la sinistra di allora. Convivenza tra riformisti e massimalisti che si incrinò inesorabilmente nel '78, proprio sulla linea della fermezza sul caso Moro.
C'è un altro brano della Tv di allora usata da Bellocchio in modo assai sofisticato, e che vale una annotazione: la voce di Tina Anselmi (fuori campo: nel film il televisore è nella stanza accanto) che parla dei malati di mente (pazzi, nel politically uncorrect dell'epoca) messi in libertà dalla legge Basaglia. Un problema che una sinistra riformista oggi dovrebbe meditare. Giovanni Bachelet, figlio di Vittorio ucciso dalla stessa Chiara-Braghetti due anni dopo l'assassinio di Moro, è stato l'unico a coglierne il valore, anche politico, di quella citazione. «Bellocchio aveva conquistato la mia antipatia da quando a 21 anni avevo visto il suo film Matti da slegare. A me il suo matto che usciva dal manicomio convinto che preti e padroni (non la propria malattia mentale) fossero la vera causa di tutti i guai, suoi e del mondo, sembrava più matto e pericoloso di prima. Ma allora dirlo non era molto di moda. Se nonostante queste premesse il film è riuscito a conquistarmi vuol dire che identici ingredienti – musiche, locomotive, falci e martelli, facce dei carnefici e formidabile umanità di Moro – parlano in modi diversi a diversi spettatori.
PS. Non è vero che la Tv perse l'innocenza nel 1981 con l'insensata cronaca da Vermicino del fallito salvataggio di Alfredino Rampi. L'innocenza dell'intero sistema dei media italiano andò perduta tre anni prima, col caso Moro. Gli assassini, i loro complici materiali e morali, aiutati dalla debolezza della Prima Repubblica, tentarono di usarla, di influenzarla, di ricattarla. Allora – semmai qualcuno ancora ci credesse – cessò la presunzione di neutralità dell'informazione. Vermicino aprì un'altro interrogativo: se la società dell'informazione sia anche la società della conoscenza.
www.clorofilla.it 35.9.03
Rassegna Stampa. Europa. Il film di Bellocchio sulla prigionia di Moro: il giudizio artistico prevale su quelllo storico e politico
"Buongiorno, Notte", Ossicini: «E' solo poesia»
di Adriano Ossicini
Era abbastanza comprensibile che un film che affrontava sul piano narrativo il periodo della "prigionia" di Aldo Moro oltre tutto partendo, in qualche modo - come ha dichiarato Bellocchio - anche dalle riflessioni di una "brigatista" addetta fra l´altro alla "custodia" del prigioniero, avrebbe suscitato oltre che un notevole interesse ovviamente anche delle polemiche ed era facile prevedere che queste avrebbero travalicato quello che deve essere un giudizio su un´opera cinematografica, che è quello artistico. A mio avviso questo è avvenuto in modo non solo particolarmente ampio, ma con giudizi e affermazioni che credo richiedano una riflessione.
Questa riflessione la faccio tenendo conto che, proprio per il ruolo che io ho avuto in quel momento drammatico, sia come amico di infanzia di Aldo Moro, sia perché politicamente impegnato come parlamentare in quel dibattito e in quelle decisioni politiche, capisco che quei drammatici avvenimenti, comunque riproposti, spingano inevitabilmente a dare giudizi storici e politici.
Però, nonostante la mia partecipazione emotiva, anzi proprio per questa, credo che sia giusto ribadire l´importanza che il giudizio sul film sia quello sul livello poetico di un´opera narrativa.
Non c´è dubbio che Bellocchio abbia voluto dare, anche nella sua interpretazione del testo che aveva preso come spunto, dei suoi giudizi storici o politici. Era inevitabile; ma questi non vanno, secondo me, analizzati come elemento di valutazione dell´opera poetica dato che, come io credo, in questo film sul piano narrativo questo aspetto poetico ci sia.
In fondo, molti personaggi storici sono stati variamente interpretati molto al di là o al di fuori di una stretta analisi storico-politica, sulla base di aspetti che in qualche modo si ritenevano indispensabili per una narrazione quale quella che è rappresentata da un´opera che contiene nelle sue immagini possibilità di messaggi suggestivi come quelli di un film.
Bellocchio ha ritenuto molto più spesso sentimenti che fatti; ha centrato il suo discorso su rapporti psicologici in una dinamica di gruppo molto limitata, spesso addirittura chiusa in uno spazio brevissimo, come quello drammatico della prigione di Moro. A mio avviso questa narrazione ha mantenuto uno indubbio valore, ci ha partecipato emozioni non trascurabili ci ha posto di fronte a soluzioni immaginative suggestive.
Il giudizio estetico è complesso ed io non sono tra coloro che vogliono entrare nella polemica sul fatto che il film di Bellocchio meritasse o no il massimo premio a Venezia. Mi pare soltanto sbagliato sfuggire, almeno in parte, da una valutazione del percorso narrativo di questo film con richieste o polemiche sul piano storico e politico.
Oltretutto la vicenda del rapimento e dell´uccisione di Moro è così complessa che ancora non è possibile dare in modo serio e definitivo né un giudizio storico né un giudizio politico.
Certo si sente in qualche modo la polemica di Bellocchio contro il partito della non trattativa. Ma anche la divisione tra chi da principio dichiarò che comunque non si doveva trattare e chi dichiarò che si doveva trattare non è poi così schematica come spesso la si vuole rappresentare.
Io per esempio, firmai un documento assieme ad altre personalità che solo Lotta Continua pubblicò, nel quale si dichiarava non giusto negare ogni possibilità di trattativa, a priori.
Questo non toglie che nel convulso succedersi degli avvenimenti non mi sia poi reso conto della problematicità, della difficoltà e per molti aspetti della impossibilità, di una seria trattativa.
Una breve notazione infine.
Se anche non si è ritenuto, a Venezia, premiare un film, comunque, di notevole spessore con il massimo riconoscimento, penso che almeno si poteva emblematicamente premiare la straordinaria recitazione del protagonista Roberto Herlitzka, che a mio avviso rappresenta uno dei momenti più alti del film stesso.
Il Riformista 25 Settembre 2003
SVOLTE. L'ULTIMO ATTO DI RESISTENZA AL DOMINIO DELLE REAZIONI EMOTIVE
Buongiorno, notte: come eravamo al Tg2
Perché Bellocchio nel suo film ci ha preferito al Tg1: l’età del’innocenza tv finì allora, non a Vermicino
di Giancarlo Santalmassi
Del contenuto di Buongiorno, notte sì è discusso molto, ma sarebbe giusto parlare anche del linguaggio usato dal regista. Oltre a quello cinematografico c'è anche quello documentario, teatrale e televisivo. Del repertorio cinematografico e documentario ci sono I tre canti di Lenin di Dziga Vertov; Paisà di Roberto Rossellini; I 600 giorni di Salò di Nicola Caracciolo: servono per esprimere l'opinione dell'autore sulla formazione ideologica dei terroristi e sulla loro confusione culturale.
La finzione «teatrale» è così spuria rispetto al contesto da sembrare girata a parte: Paolo VI che butta per aria la lettera con i consigli che gli vengono dai palazzi della politica; e poi la seduta spiritica, in cui lo stesso regista si include tra gli spettatori. Sequenze in cui Bellocchio sembra esprime un suo giudizio tra il rabbioso e lo scettico sulla possibilità di ottenere la liberazione del prigioniero, o di scoprire il suo carcere.
Infine c'è il linguaggio della Tv. Per Bellocchio (Repubblica 15 settembre), «È un personaggio molto rilevante, una presenza costante nel covo, che ha la funzione di mescolare la realtà storica con la finzione cinematografica. Una Tv che restituisce forte la realtà». Ed è della Tv che vorrei parlare perché nel '78 c'ero e sono anche oggi nel film, visto che Bellocchio ha scelto proprio l'edizione straordinaria del Tg2 da me condotta per introdurre questo «personaggio» che i brigatisti guardano con la stessa ansia con cui scrutano gli elicotteri in volo su Roma alla ricerca di tracce dello statista democristiano. Sono immagini che ci restituiscono una televisione fortemente diversa, nella quale sono bene in evidenza le tracce della crisi della Rai di oggi.
Dunque, perché il Tg2 e non il Tg1? La risposta è nell'analisi dei Tg Rai di quel giorno (ma anche di Tv private, di Gr pubblici e privati e di quotidiani di opinione e di partito) condotta da un gruppo di ricerca dell'Università di Roma coordinato dal prof. Mario Morcellini e uscita col titolo «Il ruolo dell'informazione in una situazione di emergenza: 16 marzo 1978». Lo dice con chiarezza a pagina 176 e dintorni: «L'edizione straordinaria del Tg1 appare contraddistinta dalla costante preoccupazione di assicurare largo spazio alle valutazioni e commenti dei membri ufficiali del sistema politico. Il modo in cui viene assolto il compito di comunicare l'eccezionale gravità dell'accaduto è costituito dal privilegio costantemente accordato ai richiami emotivi, dall'uso di registri congestionati, di elevate ridondanze e insistenza su elementi di dettaglio che contribuiscono a conferire all'informazione teletrasmessa dal Tg1 una forte connotazione drammatica, determinata anche dalle continue interruzioni dalla regia, dall'intervento improvviso di altri redattori, cui si accompagna l'assenza di indicazioni sulle reazioni popolari, col pericolo di rinchiudere il telespettatore in una prospettiva meramente individuale. Nel Tg2 sembra prevalere l'esigenza di facilitare negli utenti – accanto ad una comprensione razionale dell'accaduto, delle possibili cause che l'hanno determinato e delle sue conseguenze politiche – il dominio delle loro reazioni emotive. Così può forse interpretarsi l'ordine e la compostezza dello studio centrale interamente gestito da un unico conduttore cui va aggiunta l'importanza accordata sin dai primi momenti alle reazioni popolari nel palese tentativo di convogliare le energie individuali e le tensioni emotive verso forme di impegno e di mobilitazione nella straordinaria anche un importante collegamento col processo alle Br in corso a Torino, sulla consapevolezza del sequestro di Moro tra i brigatisti in carcere e l'impatto su una città già colpita dagli assassinii di Casalegno, Berardi, Coco, Croce e un collegamento con Montecitorio con Emmanuele Rocco, autore di una nota che può forse essere interpretata come l'unico vero momento di esplicita riflessione sulle generali conseguenze del fatto».
Una diagnosi impietosa. Si discute ancora se oggi sia «servizio pubblico» la tv dell'emozione, dell'enfasi, della lacrima e del dolore. Dopo la riforma del '75 i giornalisti del vecchio telegiornale unico di area cattolico-democristiana optarono in maggioranza per il Tg1. Gli altri, quelli dei settimanali come Tv7 o di «AZ-un fatto come e perché» (qui si era formata la mia esperienza), di area laica, socialista e comunista, scelsero il Tg2. Andrea Barbato, Aldo Falivena, Ennio Mastrostefano, Italo Moretti, Piero Angela, Brando Giordani, Sergio Zavoli erano le armi per combattere la concorrenza fortissima nata mediaticamente nel 1975 tra la destra e la sinistra di allora. Convivenza tra riformisti e massimalisti che si incrinò inesorabilmente nel '78, proprio sulla linea della fermezza sul caso Moro.
C'è un altro brano della Tv di allora usata da Bellocchio in modo assai sofisticato, e che vale una annotazione: la voce di Tina Anselmi (fuori campo: nel film il televisore è nella stanza accanto) che parla dei malati di mente (pazzi, nel politically uncorrect dell'epoca) messi in libertà dalla legge Basaglia. Un problema che una sinistra riformista oggi dovrebbe meditare. Giovanni Bachelet, figlio di Vittorio ucciso dalla stessa Chiara-Braghetti due anni dopo l'assassinio di Moro, è stato l'unico a coglierne il valore, anche politico, di quella citazione. «Bellocchio aveva conquistato la mia antipatia da quando a 21 anni avevo visto il suo film Matti da slegare. A me il suo matto che usciva dal manicomio convinto che preti e padroni (non la propria malattia mentale) fossero la vera causa di tutti i guai, suoi e del mondo, sembrava più matto e pericoloso di prima. Ma allora dirlo non era molto di moda. Se nonostante queste premesse il film è riuscito a conquistarmi vuol dire che identici ingredienti – musiche, locomotive, falci e martelli, facce dei carnefici e formidabile umanità di Moro – parlano in modi diversi a diversi spettatori.
PS. Non è vero che la Tv perse l'innocenza nel 1981 con l'insensata cronaca da Vermicino del fallito salvataggio di Alfredino Rampi. L'innocenza dell'intero sistema dei media italiano andò perduta tre anni prima, col caso Moro. Gli assassini, i loro complici materiali e morali, aiutati dalla debolezza della Prima Repubblica, tentarono di usarla, di influenzarla, di ricattarla. Allora – semmai qualcuno ancora ci credesse – cessò la presunzione di neutralità dell'informazione. Vermicino aprì un'altro interrogativo: se la società dell'informazione sia anche la società della conoscenza.
www.clorofilla.it 35.9.03
Rassegna Stampa. Europa. Il film di Bellocchio sulla prigionia di Moro: il giudizio artistico prevale su quelllo storico e politico
"Buongiorno, Notte", Ossicini: «E' solo poesia»
di Adriano Ossicini
Era abbastanza comprensibile che un film che affrontava sul piano narrativo il periodo della "prigionia" di Aldo Moro oltre tutto partendo, in qualche modo - come ha dichiarato Bellocchio - anche dalle riflessioni di una "brigatista" addetta fra l´altro alla "custodia" del prigioniero, avrebbe suscitato oltre che un notevole interesse ovviamente anche delle polemiche ed era facile prevedere che queste avrebbero travalicato quello che deve essere un giudizio su un´opera cinematografica, che è quello artistico. A mio avviso questo è avvenuto in modo non solo particolarmente ampio, ma con giudizi e affermazioni che credo richiedano una riflessione.
Questa riflessione la faccio tenendo conto che, proprio per il ruolo che io ho avuto in quel momento drammatico, sia come amico di infanzia di Aldo Moro, sia perché politicamente impegnato come parlamentare in quel dibattito e in quelle decisioni politiche, capisco che quei drammatici avvenimenti, comunque riproposti, spingano inevitabilmente a dare giudizi storici e politici.
Però, nonostante la mia partecipazione emotiva, anzi proprio per questa, credo che sia giusto ribadire l´importanza che il giudizio sul film sia quello sul livello poetico di un´opera narrativa.
Non c´è dubbio che Bellocchio abbia voluto dare, anche nella sua interpretazione del testo che aveva preso come spunto, dei suoi giudizi storici o politici. Era inevitabile; ma questi non vanno, secondo me, analizzati come elemento di valutazione dell´opera poetica dato che, come io credo, in questo film sul piano narrativo questo aspetto poetico ci sia.
In fondo, molti personaggi storici sono stati variamente interpretati molto al di là o al di fuori di una stretta analisi storico-politica, sulla base di aspetti che in qualche modo si ritenevano indispensabili per una narrazione quale quella che è rappresentata da un´opera che contiene nelle sue immagini possibilità di messaggi suggestivi come quelli di un film.
Bellocchio ha ritenuto molto più spesso sentimenti che fatti; ha centrato il suo discorso su rapporti psicologici in una dinamica di gruppo molto limitata, spesso addirittura chiusa in uno spazio brevissimo, come quello drammatico della prigione di Moro. A mio avviso questa narrazione ha mantenuto uno indubbio valore, ci ha partecipato emozioni non trascurabili ci ha posto di fronte a soluzioni immaginative suggestive.
Il giudizio estetico è complesso ed io non sono tra coloro che vogliono entrare nella polemica sul fatto che il film di Bellocchio meritasse o no il massimo premio a Venezia. Mi pare soltanto sbagliato sfuggire, almeno in parte, da una valutazione del percorso narrativo di questo film con richieste o polemiche sul piano storico e politico.
Oltretutto la vicenda del rapimento e dell´uccisione di Moro è così complessa che ancora non è possibile dare in modo serio e definitivo né un giudizio storico né un giudizio politico.
Certo si sente in qualche modo la polemica di Bellocchio contro il partito della non trattativa. Ma anche la divisione tra chi da principio dichiarò che comunque non si doveva trattare e chi dichiarò che si doveva trattare non è poi così schematica come spesso la si vuole rappresentare.
Io per esempio, firmai un documento assieme ad altre personalità che solo Lotta Continua pubblicò, nel quale si dichiarava non giusto negare ogni possibilità di trattativa, a priori.
Questo non toglie che nel convulso succedersi degli avvenimenti non mi sia poi reso conto della problematicità, della difficoltà e per molti aspetti della impossibilità, di una seria trattativa.
Una breve notazione infine.
Se anche non si è ritenuto, a Venezia, premiare un film, comunque, di notevole spessore con il massimo riconoscimento, penso che almeno si poteva emblematicamente premiare la straordinaria recitazione del protagonista Roberto Herlitzka, che a mio avviso rappresenta uno dei momenti più alti del film stesso.
metafisica
La Repubblica 25.9.03
LA METAFISICA
Fin dal primo quadro "La torre rossa" si intuisce l´alto profilo di questa mostra che ricostruisce il percorso dell´avanguardia
ROMA - I CAPOLAVORI CHE HANNO CAMBIATO LA STORIA IN MOSTRA
di FABRIZIO D´AMICO
Fin dal primo quadro della sala d'avvio, che s'intravede già di lontano, al termine della scalinata d'ingresso, s'intuisce l'alto profilo di questa mostra, Metafisica, aperta dal prossimo sabato alle Scuderie del Quirinale: è La torre rossa di Giorgio De Chirico, esposto al Salon d´Automne del 1913 in una delle primissime mostre cui il pittore, che s'era stabilito nell´estate dell´11 a Parigi, partecipava. Fu quello, anche, il primo quadro che De Chirico vendette («a un uomo anziano che si chiamava Olivier Senn», ricorderà più tardi, con intatta gratitudine): una tela non grandissima (un metro di base), misteriosamente capace però d´allargare sulla parete l'eco d'una propria strana spazialità, immensa e silenziosa, costruita attorno a quel luogo vuoto che, unicamente, la pittura narra. Lente, lunghe ombre traversano l'opera: nelle quali pare alitare l'aria ancora accaldata dal sole calante; quinte altissime la cingono, stringendola d´assedio, sino all'orizzonte basso e lontano: mentre in mezzo ad esse s'apre uno spazio deserto, non calpestabile - diresti - da alcuna umana presenza. Già allora, dirà De Chirico, «avevo cominciato a dipingere soggetti ove cercavo di esprimere quel forte e misterioso sentimento che avevo scoperto nei libri di Nietzsche: la malinconia delle belle giornate d´autunno, di pomeriggio, nelle città italiane».
Proprio accanto, proveniente dal Museum of Modern Art di New York, sta oggi un altro grande dipinto di quell´anno ancora aurorale e già magico: Il viaggio inquietante, ove frammezzo alla prospettiva ipertrofica, malata e ossessiva delle arcate svettanti e cieche (quasi la versione "italiana" delle cigolanti, gotiche arcate che avevano poco prima assillato lo spazio egualmente ansioso delle Saint-Séverin di Robert Delaunay, certamente conosciute da De Chirico) s'apre, a sinistra, un pertugio. In esso, dal fondo, oltre un muro, s'avanza sbuffando una locomotiva: segno, poi ritrovato in tanti dipinti, della sua natura d´Odisseo, d'una vita sua condotta vagando, senza radici («quel destino» - dirà - «che finora mi ha costretto di andare sempre di gente in gente...»).
Solo un Max Ernst e un René Magritte affiancano i due De Chirico nella prima sala. Di Ernst la Pietà ou la Révolution la Nuit, del 1923; di Magritte La vie secrète, del '28. Nel primo un uomo in bombetta, inginocchiato come per un´offerta, consustanziale diresti al muro che ha alle spalle, regge in braccio un bambino troppo cresciuto, in via di trasformarsi in statua (o di farsi, da statua che era, bambino?: ripetendo un´ambiguità sondata da De Chirico in molti autoritratti dei primi anni Venti); sullo sfondo, graffito sul muro, un ritratto d´Apollinaire, ferito all'occhio in guerra e bendato. Nel secondo, una sfera sta immobile, sospesa nella camera senz´aria, segnata solo, a terra, dalle assi prospettiche dell´impiantito. Provengono, rispettivamente, dalla Tate di Londra e dalla Kunsthaus di Zurigo: così che fin dall´inizio la mostra si svela per quel che è: una mostra di capolavori, provenienti dai più prestigiosi, e gelosi, musei mondiali; e per quel che vuole dimostrare: l'eco profondissima che la pittura degli anni Dieci di De Chirico seppe suscitare in tanta parte dell´arte europea nei successivi decenni (e, infine, sull´avvio della stessa vicenda contemporanea d´oltreoceano).
Ester Coen, che l´ha assai ben scelta e ordinata (curando anche il catalogo Electa), dedicandola alla memoria di Giuliano Briganti - assieme al quale aveva lavorato alla memorabile esposizione sulla metafisica allestita a Palazzo Grassi nel '79 - ha inteso qui, oltre che riproporre ad un'ulteriore generazione l'indagine su un tempo cruciale dell'arte italiana, sottolineare proprio quest'aspetto della vastissima eredità che la pittura dechirichiana lasciò agli amici surrealisti - ben presto trasformatisi, è ben noto, in acerrimi detrattori. Una falange di talenti che se, di fronte al De Chirico tutto mutato degli anni Venti, credettero di poterne denunciare l´involuzione (certo con ciò cogliendo anche occasione per rinnegare, almeno a parole, una lezione avvertita ormai come troppo ingombrante), non smisero però di guardarlo, od anche - come, ad esempio, il caso del dipinto più sopra citato di Ernst clamorosamente dimostra - di ripeterne testualmente modi, temi, forme.
L'assunto della mostra, limpido e peraltro tutt'altro che sconosciuto agli studi, è, nel progresso delle sale, dimostrato con evidenza, e con pregnanza ed esattezza di riferimenti. Non per caso, se non erro, solo una sala (ove s'adunano fra l´altro molti quadri, non grandi, del periodo ferrarese, dal '15 al '18, quando De Chirico, "esule" adesso da Parigi, con l'Italia in guerra e gli amici lontani, comincia a sentire il fascino suadente di una «memoria» di sé, del proprio passato, delle proprie ogni volta recise radici; una memoria alternativamente venata di malinconia o d´orgoglio, e d'ora in avanti in lui sovente ritornante e sempre feconda) si sottrae al gioco dei confronti, ed è dedicata esclusivamente a De Chirico. Ed una sola, l'ultima, è orfana di suoi dipinti: là dove Femme cuillère di Giacometti e soprattutto Light in August di de Kooning spostano il riferimento ad una possibile matrice dechirichiana su un altro terreno (giustamente, peraltro, la Coen sottolinea come la diaspora a New York dei surrealisti, e delle loro collezioni ricche di dipinti di De Chirico, nei secondi anni Trenta abbia contribuito a disseminare anche lì il seme di quella pittura, ingenerando nei suoi confronti un´attenzione diffusa, e in ultimo confermata dal saggio monografico di Soby del '41).
"Metafisica" fu anche la pittura di Carrà - quando uscì da futurismo e primitivismo, e a Ferrara appunto incontrò De Chirico. E alcune delle sue opere più famose sono qui presenti, a dimostrare come la prima complicità con la pittura dechirichiana si dette proprio in Italia: dalla Composizione TA, datata 1916 ma più volte ripresa più tardi, a L'ovale delle apparizioni, da La camera incantata - forse l´opera sua più prossima De Chirico - sino al Figlio del costruttore, in cui Carrà già si protende verso il tempo che verrà. Ancora, fu "metafisico", per brevi mesi ma straordinariamente, Morandi: che fece, fra '18 e '19, un piccolo numero di capolavori in quella chiave stilistica, gran parte dei quali è oggi in mostra: dalla Natura morta con la sfera, già collezione Jucker, a quella della Galleria Nazionale di Roma, a quella col manichino e la strana fiammella al centro, proveniente dall´Ermitage di Leningrado, che fece pensare Arcangeli ad un gioco, quasi, dadaista. Altre cose, di Morandi, son poi da dirsi in uscita da quel suo tempo breve, e già nel clima di "Valori Plastici" - dal quale d'altronde, sotto l'ala di Mario Broglio, sia De Chirico che Carrà traevano impulsi per un fascinoso "ritorno" ad una tradizione che si voleva immaginare "classica". Così il manichino si unisce al pane, e alla bottiglia ben tornita, nelle due nature morte milanesi, e scompare del tutto dall´ultima, con la frutta, il panno e i pani, del '19. Così che quando proprio De Chirico ne presenterà l´opera alla «Fiorentina Primaverile» del '22, scrivendo che «egli partecipa in tal modo del grande lirismo creato dall´ultima profonda arte europea: "la metafisica degli oggetti più comuni"», in realtà Morandi è già ben oltre quel linguaggio, avviato in solitudine alla sua più alta stagione.
La Stampa 25 Settembre 2003
A ROMA SI INAUGURA DOMANI LA GRANDE MOSTRA SU DE CHIRICO & C., MENTRE A MERANO SI METTONO IN VETRINA GLI «EREDI»
METAFISICA
La banda dei teppisti
di Marco Vallora
GIORGIO De Chirico, inesausto auto-biografo di sé, e non soltanto per via di pittura, annunziandosi come nuovo Vaticinatore salvifico e demonizzando il mondo d'avanguardia, annotava: «Viviamo in un'epoca che non riesce mai a darci quel brivido gelido, quella gioia solitaria e profonda della rivelazione; della composizione concepita come tale, strana, insensata, in cui vediamo tutto un mondo che nessuno conosce, di cui siamo forse i soli abitanti». Difficile riproporre oggi lo choc innocente e sbigottito dello sguardo, che quelle tele-sortilegio provocarono nei primi argonauti, che si imbatterono in quei paesaggi stupefatti e deserti, ove il silente fil di ferro d'un treno passa, cucendo l'orizzonte assopito. Incontri «fatali», che per esempio cambiarono anche la vita d'un Magritte, che di fronte al Chant d'amour 1914 di De Chirico ammise: «È la prima volta che ho visto il pensiero». Ecco: «vedere il pensiero» è comunque l'immediata e conturbante sensazione, che si prova entrando alla mostra «Metafisica», immaginata - come un sogno battagliero - da Ester Coen e benissimo impaginata da Daniela Ferretti, con grandi respiri ossigenati di opere pausate, sino all'impietrito torso della Femme qui marche di Giacometti, e poi, salendo all'empireo della parte più analitica, alla sua totemica Femme-cuillière. Due punti di fuga di questo enigma, che si chiama «Metafisica». Ma entrando, l'impatto con la dechirichiana Tour Rouge (di rara visione) e il già littorio Voyage émouvant, è illuminante: una lezione di storia del pensiero. Mura mattonate, superfici-ostacolo, silenzi allarmanti, arcate bislunghe che scalano e affollano il cielo, come portatili torri di Babele, il fischio afono del treno, che ci viene addosso, quasi il primo film terrorizzante dei Fratelli Meliès, e che poi si solidifica in una cotonina da presepe industriale. Mentre la dongiovannesca statua del Commendatore, che pare entrare in scena per un «attacco» sbagliato, annuncia una pièce pirandelliana, che non avrà mai luogo.
Sospensione caramellata del mondo e rivelazione straniata d'un universo, frequentato soltanto dal «gelido urlo degli dei che muoiono». Ma anche noi visitatori, se la folla «non preme ai nostri polpacci» (lo diceva il perfido Dioscuro) possiamo vivere la curiosa sensazione d'essere i primi, gli unici «abitatori» privilegiati, di quelle disertate pianure urbane. Se ci si guarda alle spalle (dov'è puntato il proiettile sospeso della magica Vie Secrète di Magritte, che come lo Zarathustra di Nietzsche, tanto amato da De Chirico, potrebbe tendere un filo da saltimbanco tra Odilon Redon e il giovane Marco Tirelli) ed ancor più, se ci si lascia distrarre dall'affiche parodica della Pietà di Max Ernst (che «prende in braccio» la spoglia della pittura picassiana di quegli anni, in una sorta di Delvaux alla Max Linder) non solo il senso della mostra si va chiarendo. Ma risulta molto evidente quello che De Chirico predicava. «Il quadro profondo mancherà di tutta quella gesticolazione, di quell'idealismo che attira gli sguardi della folla e fa spiccare il nome di un artista. Ogni faccia spasmodica, ogni movimento forzato sarà messo da parte».
Anti-futurista per costituzione viscerale, egli dipinge un mondo apparente disertato della figure, vuoto d'ogni «crosta troppo umana». In cui anche le sensazioni e la Stimmung romantica, si fanno cose: dure come i carciofi, che nella sua pittura hanno la pelle esplosiva, armata, d'uno shrapnell cascato dall'Olimpo. Al limite due incongrue figurette ventose, tipo Visitazione di Sant'Elisabetta, sovrastate dall'architettura dominante a sottolineare ancora di più l'insensatezza logica della scena. Immobile come una decalcomania filosofica. «In tal modo l'opera si avvicinerà al sogno ed anche alla mentalità infantile». Ma non certo nel senso surrealista del sogno, dell'inconscio. Il «greco» De Chirico, abituato a dialogare con Edipo e la Sfinge - quasi fossero dei commilitoni imboscati - disprezza il frullato edulcorato della psicanalisi freudiana, così «sorella al pettegolezzo». Ed entrerà presto in conflitto con il «poliziotto dei sogni» André Breton. Cocteau, che è molto più perspicace, capisce subito, col suo Mistero Laico, che De Chirico è l'unico, vero anti-Picasso (che infatti fa incetta dei disegni dell'italiano). Picasso, come i cubisti, o i futuristi, vogliono riprodurre (analizzare, capire meglio) la realtà: sono ancora dei vegliardi mimetici. Per la banda dei metafisici, teppisti schopenaueriani, invece, è necessario intraprendere un nuovo, radicale viaggio nell'al di là, scavalcando le simboliche mura di mattoni, che ci nascondono alla vista le verità abissali, plurali, terribili. «Qualcosa di terribilmente superficiale, come un sorriso di bambino che non sa perché sorride. E più che mai sentii allora che tutto ciò era lì fatalmente e senza ragione e non conteneva alcun senso». La rivelazione quasi estatica, che il convalescente, nicciano, De Chirico, vive in Santa Croce, è esattamente il contrario del déjà vu surrealista: non ritrova qualcosa di già esperito nell'inconscio, ma crea delle maschere nuove, che da un lato suggeriscono l'enigma, dall'altra s'impediscono di risolverlo. «Vivere nel mondo - scrive - come in un immenso museo di stranezze, pieno di giocattoli curiosi, che cambiano d'aspetto, che a volte come bambini piccoli rompiamo per vedere come sono fatti dentro -accorgendoci delusi che sono vuoti».
Sono i giocattoli mentali che anche Savinio incomincerà a baloccare miticamente, intasando le sue tele come di nuvole casalinghe: coloratissime maschere del vuoto. Non certo le maschere primitive, africane, che seducono Picasso e Apollinaire: perché il «primitivismo» dei due fratelli è quello del Museo letterario. Ulissi, Polifemi, eroi ariosteschi. E se quegli eroi si stanno murando in scolpiti manichini, facciamo attenzione a quelli coevi di Carrà. Questi sono manichini bonari, sartoriali, non certo biblico-omerici. E stanno scongelandosi, tramutandosi in educati rampolli di casa: come il Figlio dell'Ingegnere, che finalmente ripulito, poco a poco rivela prodigi di gialli fumiganti, esotici scarpini di seta e caldi segreti di casa. Rivelatore invece il confronto tra il purismo arcaico di Brancusi e l'essenzialità acrobatica di Morandi, che ha matrice tutta diversa, addirittura pescando in Chardin. Morandi scarnifica, liofilizza il reale, che però resiste e che lui agghinda in anticipo, come un teatrino, per poi tradurlo in pennellate. Canta l'immagine platonica, iperurania del mondo. Non ha cuore nemmemo di firmare i suoi oggetti anonimi, ammaestrati come cagnini. Solo una data sospesa, 1918, che diventa una fibbia dell'aria, un cediglia sussurrata, un ulteriore fregio metafisico. Che però non cancella la realtà preesistente. Guardiamo invece la Casa del Poeta di De Chirico. Le sue squadre, i suoi righelli, i suoi cavalletti di gruviera, salgono al cielo azzuffandosi con i vecchi affreschi tiepoleschi di casa Govoni. Morandi purifica, Max Ernst duplica il mondo col suo frottage, mentre i De Chirico raccontano favole mai udite. Non badano al Nuovo del Progresso d'Avanguardia. Allevano la melanconia come una sorella divina. E scoprono con Stendhal che «il silenzio è la melanconia di una felicità inedita».
LA METAFISICA
Fin dal primo quadro "La torre rossa" si intuisce l´alto profilo di questa mostra che ricostruisce il percorso dell´avanguardia
ROMA - I CAPOLAVORI CHE HANNO CAMBIATO LA STORIA IN MOSTRA
di FABRIZIO D´AMICO
Fin dal primo quadro della sala d'avvio, che s'intravede già di lontano, al termine della scalinata d'ingresso, s'intuisce l'alto profilo di questa mostra, Metafisica, aperta dal prossimo sabato alle Scuderie del Quirinale: è La torre rossa di Giorgio De Chirico, esposto al Salon d´Automne del 1913 in una delle primissime mostre cui il pittore, che s'era stabilito nell´estate dell´11 a Parigi, partecipava. Fu quello, anche, il primo quadro che De Chirico vendette («a un uomo anziano che si chiamava Olivier Senn», ricorderà più tardi, con intatta gratitudine): una tela non grandissima (un metro di base), misteriosamente capace però d´allargare sulla parete l'eco d'una propria strana spazialità, immensa e silenziosa, costruita attorno a quel luogo vuoto che, unicamente, la pittura narra. Lente, lunghe ombre traversano l'opera: nelle quali pare alitare l'aria ancora accaldata dal sole calante; quinte altissime la cingono, stringendola d´assedio, sino all'orizzonte basso e lontano: mentre in mezzo ad esse s'apre uno spazio deserto, non calpestabile - diresti - da alcuna umana presenza. Già allora, dirà De Chirico, «avevo cominciato a dipingere soggetti ove cercavo di esprimere quel forte e misterioso sentimento che avevo scoperto nei libri di Nietzsche: la malinconia delle belle giornate d´autunno, di pomeriggio, nelle città italiane».
Proprio accanto, proveniente dal Museum of Modern Art di New York, sta oggi un altro grande dipinto di quell´anno ancora aurorale e già magico: Il viaggio inquietante, ove frammezzo alla prospettiva ipertrofica, malata e ossessiva delle arcate svettanti e cieche (quasi la versione "italiana" delle cigolanti, gotiche arcate che avevano poco prima assillato lo spazio egualmente ansioso delle Saint-Séverin di Robert Delaunay, certamente conosciute da De Chirico) s'apre, a sinistra, un pertugio. In esso, dal fondo, oltre un muro, s'avanza sbuffando una locomotiva: segno, poi ritrovato in tanti dipinti, della sua natura d´Odisseo, d'una vita sua condotta vagando, senza radici («quel destino» - dirà - «che finora mi ha costretto di andare sempre di gente in gente...»).
Solo un Max Ernst e un René Magritte affiancano i due De Chirico nella prima sala. Di Ernst la Pietà ou la Révolution la Nuit, del 1923; di Magritte La vie secrète, del '28. Nel primo un uomo in bombetta, inginocchiato come per un´offerta, consustanziale diresti al muro che ha alle spalle, regge in braccio un bambino troppo cresciuto, in via di trasformarsi in statua (o di farsi, da statua che era, bambino?: ripetendo un´ambiguità sondata da De Chirico in molti autoritratti dei primi anni Venti); sullo sfondo, graffito sul muro, un ritratto d´Apollinaire, ferito all'occhio in guerra e bendato. Nel secondo, una sfera sta immobile, sospesa nella camera senz´aria, segnata solo, a terra, dalle assi prospettiche dell´impiantito. Provengono, rispettivamente, dalla Tate di Londra e dalla Kunsthaus di Zurigo: così che fin dall´inizio la mostra si svela per quel che è: una mostra di capolavori, provenienti dai più prestigiosi, e gelosi, musei mondiali; e per quel che vuole dimostrare: l'eco profondissima che la pittura degli anni Dieci di De Chirico seppe suscitare in tanta parte dell´arte europea nei successivi decenni (e, infine, sull´avvio della stessa vicenda contemporanea d´oltreoceano).
Ester Coen, che l´ha assai ben scelta e ordinata (curando anche il catalogo Electa), dedicandola alla memoria di Giuliano Briganti - assieme al quale aveva lavorato alla memorabile esposizione sulla metafisica allestita a Palazzo Grassi nel '79 - ha inteso qui, oltre che riproporre ad un'ulteriore generazione l'indagine su un tempo cruciale dell'arte italiana, sottolineare proprio quest'aspetto della vastissima eredità che la pittura dechirichiana lasciò agli amici surrealisti - ben presto trasformatisi, è ben noto, in acerrimi detrattori. Una falange di talenti che se, di fronte al De Chirico tutto mutato degli anni Venti, credettero di poterne denunciare l´involuzione (certo con ciò cogliendo anche occasione per rinnegare, almeno a parole, una lezione avvertita ormai come troppo ingombrante), non smisero però di guardarlo, od anche - come, ad esempio, il caso del dipinto più sopra citato di Ernst clamorosamente dimostra - di ripeterne testualmente modi, temi, forme.
L'assunto della mostra, limpido e peraltro tutt'altro che sconosciuto agli studi, è, nel progresso delle sale, dimostrato con evidenza, e con pregnanza ed esattezza di riferimenti. Non per caso, se non erro, solo una sala (ove s'adunano fra l´altro molti quadri, non grandi, del periodo ferrarese, dal '15 al '18, quando De Chirico, "esule" adesso da Parigi, con l'Italia in guerra e gli amici lontani, comincia a sentire il fascino suadente di una «memoria» di sé, del proprio passato, delle proprie ogni volta recise radici; una memoria alternativamente venata di malinconia o d´orgoglio, e d'ora in avanti in lui sovente ritornante e sempre feconda) si sottrae al gioco dei confronti, ed è dedicata esclusivamente a De Chirico. Ed una sola, l'ultima, è orfana di suoi dipinti: là dove Femme cuillère di Giacometti e soprattutto Light in August di de Kooning spostano il riferimento ad una possibile matrice dechirichiana su un altro terreno (giustamente, peraltro, la Coen sottolinea come la diaspora a New York dei surrealisti, e delle loro collezioni ricche di dipinti di De Chirico, nei secondi anni Trenta abbia contribuito a disseminare anche lì il seme di quella pittura, ingenerando nei suoi confronti un´attenzione diffusa, e in ultimo confermata dal saggio monografico di Soby del '41).
"Metafisica" fu anche la pittura di Carrà - quando uscì da futurismo e primitivismo, e a Ferrara appunto incontrò De Chirico. E alcune delle sue opere più famose sono qui presenti, a dimostrare come la prima complicità con la pittura dechirichiana si dette proprio in Italia: dalla Composizione TA, datata 1916 ma più volte ripresa più tardi, a L'ovale delle apparizioni, da La camera incantata - forse l´opera sua più prossima De Chirico - sino al Figlio del costruttore, in cui Carrà già si protende verso il tempo che verrà. Ancora, fu "metafisico", per brevi mesi ma straordinariamente, Morandi: che fece, fra '18 e '19, un piccolo numero di capolavori in quella chiave stilistica, gran parte dei quali è oggi in mostra: dalla Natura morta con la sfera, già collezione Jucker, a quella della Galleria Nazionale di Roma, a quella col manichino e la strana fiammella al centro, proveniente dall´Ermitage di Leningrado, che fece pensare Arcangeli ad un gioco, quasi, dadaista. Altre cose, di Morandi, son poi da dirsi in uscita da quel suo tempo breve, e già nel clima di "Valori Plastici" - dal quale d'altronde, sotto l'ala di Mario Broglio, sia De Chirico che Carrà traevano impulsi per un fascinoso "ritorno" ad una tradizione che si voleva immaginare "classica". Così il manichino si unisce al pane, e alla bottiglia ben tornita, nelle due nature morte milanesi, e scompare del tutto dall´ultima, con la frutta, il panno e i pani, del '19. Così che quando proprio De Chirico ne presenterà l´opera alla «Fiorentina Primaverile» del '22, scrivendo che «egli partecipa in tal modo del grande lirismo creato dall´ultima profonda arte europea: "la metafisica degli oggetti più comuni"», in realtà Morandi è già ben oltre quel linguaggio, avviato in solitudine alla sua più alta stagione.
La Stampa 25 Settembre 2003
A ROMA SI INAUGURA DOMANI LA GRANDE MOSTRA SU DE CHIRICO & C., MENTRE A MERANO SI METTONO IN VETRINA GLI «EREDI»
METAFISICA
La banda dei teppisti
di Marco Vallora
GIORGIO De Chirico, inesausto auto-biografo di sé, e non soltanto per via di pittura, annunziandosi come nuovo Vaticinatore salvifico e demonizzando il mondo d'avanguardia, annotava: «Viviamo in un'epoca che non riesce mai a darci quel brivido gelido, quella gioia solitaria e profonda della rivelazione; della composizione concepita come tale, strana, insensata, in cui vediamo tutto un mondo che nessuno conosce, di cui siamo forse i soli abitanti». Difficile riproporre oggi lo choc innocente e sbigottito dello sguardo, che quelle tele-sortilegio provocarono nei primi argonauti, che si imbatterono in quei paesaggi stupefatti e deserti, ove il silente fil di ferro d'un treno passa, cucendo l'orizzonte assopito. Incontri «fatali», che per esempio cambiarono anche la vita d'un Magritte, che di fronte al Chant d'amour 1914 di De Chirico ammise: «È la prima volta che ho visto il pensiero». Ecco: «vedere il pensiero» è comunque l'immediata e conturbante sensazione, che si prova entrando alla mostra «Metafisica», immaginata - come un sogno battagliero - da Ester Coen e benissimo impaginata da Daniela Ferretti, con grandi respiri ossigenati di opere pausate, sino all'impietrito torso della Femme qui marche di Giacometti, e poi, salendo all'empireo della parte più analitica, alla sua totemica Femme-cuillière. Due punti di fuga di questo enigma, che si chiama «Metafisica». Ma entrando, l'impatto con la dechirichiana Tour Rouge (di rara visione) e il già littorio Voyage émouvant, è illuminante: una lezione di storia del pensiero. Mura mattonate, superfici-ostacolo, silenzi allarmanti, arcate bislunghe che scalano e affollano il cielo, come portatili torri di Babele, il fischio afono del treno, che ci viene addosso, quasi il primo film terrorizzante dei Fratelli Meliès, e che poi si solidifica in una cotonina da presepe industriale. Mentre la dongiovannesca statua del Commendatore, che pare entrare in scena per un «attacco» sbagliato, annuncia una pièce pirandelliana, che non avrà mai luogo.
Sospensione caramellata del mondo e rivelazione straniata d'un universo, frequentato soltanto dal «gelido urlo degli dei che muoiono». Ma anche noi visitatori, se la folla «non preme ai nostri polpacci» (lo diceva il perfido Dioscuro) possiamo vivere la curiosa sensazione d'essere i primi, gli unici «abitatori» privilegiati, di quelle disertate pianure urbane. Se ci si guarda alle spalle (dov'è puntato il proiettile sospeso della magica Vie Secrète di Magritte, che come lo Zarathustra di Nietzsche, tanto amato da De Chirico, potrebbe tendere un filo da saltimbanco tra Odilon Redon e il giovane Marco Tirelli) ed ancor più, se ci si lascia distrarre dall'affiche parodica della Pietà di Max Ernst (che «prende in braccio» la spoglia della pittura picassiana di quegli anni, in una sorta di Delvaux alla Max Linder) non solo il senso della mostra si va chiarendo. Ma risulta molto evidente quello che De Chirico predicava. «Il quadro profondo mancherà di tutta quella gesticolazione, di quell'idealismo che attira gli sguardi della folla e fa spiccare il nome di un artista. Ogni faccia spasmodica, ogni movimento forzato sarà messo da parte».
Anti-futurista per costituzione viscerale, egli dipinge un mondo apparente disertato della figure, vuoto d'ogni «crosta troppo umana». In cui anche le sensazioni e la Stimmung romantica, si fanno cose: dure come i carciofi, che nella sua pittura hanno la pelle esplosiva, armata, d'uno shrapnell cascato dall'Olimpo. Al limite due incongrue figurette ventose, tipo Visitazione di Sant'Elisabetta, sovrastate dall'architettura dominante a sottolineare ancora di più l'insensatezza logica della scena. Immobile come una decalcomania filosofica. «In tal modo l'opera si avvicinerà al sogno ed anche alla mentalità infantile». Ma non certo nel senso surrealista del sogno, dell'inconscio. Il «greco» De Chirico, abituato a dialogare con Edipo e la Sfinge - quasi fossero dei commilitoni imboscati - disprezza il frullato edulcorato della psicanalisi freudiana, così «sorella al pettegolezzo». Ed entrerà presto in conflitto con il «poliziotto dei sogni» André Breton. Cocteau, che è molto più perspicace, capisce subito, col suo Mistero Laico, che De Chirico è l'unico, vero anti-Picasso (che infatti fa incetta dei disegni dell'italiano). Picasso, come i cubisti, o i futuristi, vogliono riprodurre (analizzare, capire meglio) la realtà: sono ancora dei vegliardi mimetici. Per la banda dei metafisici, teppisti schopenaueriani, invece, è necessario intraprendere un nuovo, radicale viaggio nell'al di là, scavalcando le simboliche mura di mattoni, che ci nascondono alla vista le verità abissali, plurali, terribili. «Qualcosa di terribilmente superficiale, come un sorriso di bambino che non sa perché sorride. E più che mai sentii allora che tutto ciò era lì fatalmente e senza ragione e non conteneva alcun senso». La rivelazione quasi estatica, che il convalescente, nicciano, De Chirico, vive in Santa Croce, è esattamente il contrario del déjà vu surrealista: non ritrova qualcosa di già esperito nell'inconscio, ma crea delle maschere nuove, che da un lato suggeriscono l'enigma, dall'altra s'impediscono di risolverlo. «Vivere nel mondo - scrive - come in un immenso museo di stranezze, pieno di giocattoli curiosi, che cambiano d'aspetto, che a volte come bambini piccoli rompiamo per vedere come sono fatti dentro -accorgendoci delusi che sono vuoti».
Sono i giocattoli mentali che anche Savinio incomincerà a baloccare miticamente, intasando le sue tele come di nuvole casalinghe: coloratissime maschere del vuoto. Non certo le maschere primitive, africane, che seducono Picasso e Apollinaire: perché il «primitivismo» dei due fratelli è quello del Museo letterario. Ulissi, Polifemi, eroi ariosteschi. E se quegli eroi si stanno murando in scolpiti manichini, facciamo attenzione a quelli coevi di Carrà. Questi sono manichini bonari, sartoriali, non certo biblico-omerici. E stanno scongelandosi, tramutandosi in educati rampolli di casa: come il Figlio dell'Ingegnere, che finalmente ripulito, poco a poco rivela prodigi di gialli fumiganti, esotici scarpini di seta e caldi segreti di casa. Rivelatore invece il confronto tra il purismo arcaico di Brancusi e l'essenzialità acrobatica di Morandi, che ha matrice tutta diversa, addirittura pescando in Chardin. Morandi scarnifica, liofilizza il reale, che però resiste e che lui agghinda in anticipo, come un teatrino, per poi tradurlo in pennellate. Canta l'immagine platonica, iperurania del mondo. Non ha cuore nemmemo di firmare i suoi oggetti anonimi, ammaestrati come cagnini. Solo una data sospesa, 1918, che diventa una fibbia dell'aria, un cediglia sussurrata, un ulteriore fregio metafisico. Che però non cancella la realtà preesistente. Guardiamo invece la Casa del Poeta di De Chirico. Le sue squadre, i suoi righelli, i suoi cavalletti di gruviera, salgono al cielo azzuffandosi con i vecchi affreschi tiepoleschi di casa Govoni. Morandi purifica, Max Ernst duplica il mondo col suo frottage, mentre i De Chirico raccontano favole mai udite. Non badano al Nuovo del Progresso d'Avanguardia. Allevano la melanconia come una sorella divina. E scoprono con Stendhal che «il silenzio è la melanconia di una felicità inedita».
Le Monde des Religion
IL QUOTIDIANO FRANCESE PUBBLICA UN BIMESTRALE
le religioni di "Le Monde"
di MARCO POLITI
Un fiore d´intelligenza e di cultura lanciato nell´area del laicismo puro e duro. Le Monde des Religion, la prima rivista religiosa che un grande quotidiano europeo abbia osato portare sul mercato, è da pochi giorni in edicola e marcia verso l´obiettivo dei quaranta-cinquantamila abbonamenti. Sotto la guida di Jean-Claude Petit, per lunghi anni direttore della celebre Vie Catholique, di Jean-Paul Guetny e del responsabile dell´informazione religiosa di Le Monde, Henri Tincq, autore di libri di successo come Dio in Francia, morte e resurrezione del cattolicesimo e La sfida del Papa del terzo millennio, la rivista bimestrale rompe con la tradizione che vuole che di preti e religioni si occupino solo pubblicazioni confessionali. «Proprio chi coltiva i valori umanisti - sottolinea Tincq - non può ignorare quanto il fatto religioso giochi nella società contemporanea».
Ottanta pagine, veste tipografica ariosa, scadenza bimestrale, Le Monde des Religions nasce dall´impulso che Regis Debray ha dato in Francia al dibattito su laicità e religione. L'ignoranza della religione come fenomeno sociale, culturale e storico - va predicando da qualche anno l'intellettuale che trent'anni fa si batteva per il gauchismo rivoluzionario - è un handicap per la formazione dei giovani d'oggi e, ancor di più, rappresenta un ostacolo per capire e muoversi nel mondo contemporaneo. Debray ha già fondato a Parigi a tempo di record un Istituto europeo di Studi della religione. L'iniziativa editoriale di Le Monde viene dunque incontro ad un nuovo bisogno dell´intellighenzia francese. Ma al tempo stesso è uno stimolo per tutto il circuito dei mass media europei. Ricco, stimolante, preciso - si va dalle piccole notizie gustose come lo scandalo del pastore protestante danese che ha confessato di non credere in Dio ad un dossier sui «rinnovatori dell´Islam», ad un´inchiesta sul travolgente successo dei neopentecostali in Brasile ad un articolo su tredici secoli di rapporti giudeo-musulmani - trasforma in giornalismo attuale ciò che in genere è patrimonio di specialisti o di rari inserti.
«Le religioni fanno parte della cultura. Hanno fecondato il patrimonio dei popoli, ispirato le arti, la politica, il diritto l´economia, i costumi... persino la gastronomia», è scritto nell´editoriale. Lapalissiano, si potrebbe dire, se non fosse che di fatto in Francia e altrove (anche nell´apparente cattolicissima Italia) la cultura religiosa sia diventata scolorita come una veste dai disegni logorati. Jean-Claude Petit sostiene che un cittadino francese o europeo non può ignorare il «fatto religioso» del proprio paese o degli altri. «E´ una questione di comprensione dell'umanità contemporanea, una garanzia di maggiore tolleranza e rispetto». Ha ragione.
le religioni di "Le Monde"
di MARCO POLITI
Un fiore d´intelligenza e di cultura lanciato nell´area del laicismo puro e duro. Le Monde des Religion, la prima rivista religiosa che un grande quotidiano europeo abbia osato portare sul mercato, è da pochi giorni in edicola e marcia verso l´obiettivo dei quaranta-cinquantamila abbonamenti. Sotto la guida di Jean-Claude Petit, per lunghi anni direttore della celebre Vie Catholique, di Jean-Paul Guetny e del responsabile dell´informazione religiosa di Le Monde, Henri Tincq, autore di libri di successo come Dio in Francia, morte e resurrezione del cattolicesimo e La sfida del Papa del terzo millennio, la rivista bimestrale rompe con la tradizione che vuole che di preti e religioni si occupino solo pubblicazioni confessionali. «Proprio chi coltiva i valori umanisti - sottolinea Tincq - non può ignorare quanto il fatto religioso giochi nella società contemporanea».
Ottanta pagine, veste tipografica ariosa, scadenza bimestrale, Le Monde des Religions nasce dall´impulso che Regis Debray ha dato in Francia al dibattito su laicità e religione. L'ignoranza della religione come fenomeno sociale, culturale e storico - va predicando da qualche anno l'intellettuale che trent'anni fa si batteva per il gauchismo rivoluzionario - è un handicap per la formazione dei giovani d'oggi e, ancor di più, rappresenta un ostacolo per capire e muoversi nel mondo contemporaneo. Debray ha già fondato a Parigi a tempo di record un Istituto europeo di Studi della religione. L'iniziativa editoriale di Le Monde viene dunque incontro ad un nuovo bisogno dell´intellighenzia francese. Ma al tempo stesso è uno stimolo per tutto il circuito dei mass media europei. Ricco, stimolante, preciso - si va dalle piccole notizie gustose come lo scandalo del pastore protestante danese che ha confessato di non credere in Dio ad un dossier sui «rinnovatori dell´Islam», ad un´inchiesta sul travolgente successo dei neopentecostali in Brasile ad un articolo su tredici secoli di rapporti giudeo-musulmani - trasforma in giornalismo attuale ciò che in genere è patrimonio di specialisti o di rari inserti.
«Le religioni fanno parte della cultura. Hanno fecondato il patrimonio dei popoli, ispirato le arti, la politica, il diritto l´economia, i costumi... persino la gastronomia», è scritto nell´editoriale. Lapalissiano, si potrebbe dire, se non fosse che di fatto in Francia e altrove (anche nell´apparente cattolicissima Italia) la cultura religiosa sia diventata scolorita come una veste dai disegni logorati. Jean-Claude Petit sostiene che un cittadino francese o europeo non può ignorare il «fatto religioso» del proprio paese o degli altri. «E´ una questione di comprensione dell'umanità contemporanea, una garanzia di maggiore tolleranza e rispetto». Ha ragione.
visioni pittoriche di Marco Bellocchio
Libertà 25.9.03
Bellocchio, le visioni pittoriche
Dipinti, bozzetti e story boards del regista in mostra a Parma
di Alfredo Tenni
Prima di finire sulla pellicola, i pensieri e le idee di Marco Bellocchio spuntano sulla carta dei bozzetti, sui fogli delle story-boards o, ancora, s'intuiscono nella luce dei dipinti a olio. A tutte queste opere del regista di “Buongiorno, notte”, la Fondazione culturale Edison ha dedicato la mostra “Marco Bellocchio: visioni pittoriche e cinema”, in programma dal 9 ottobre al 7 novembre alla Galleria delle Colonne di Parma. Undici dipinti a olio, cinque illustrazioni grafiche a colori e un centinaio di disegni e bozzetti, per lo più a penna, con un tratto nitido, offrono un ritratto inedito del regista, che appare come il creatore di quelle immagini che poi diventeranno la struttura dei suoi film. Nella sezione dei dipinti, ci sono anche quelli ripresi dalla cinepresa nello studio del pittore protagonista de “L'ora di religione”. Fra i disegni invece le story-boards di alcuni film, fra i quali “I pugni in tasca”, opera d' esordio di Bellocchio, e “L'ora di religione”; per arrivare poi a 50 fogli di studio sull'ultimo lungometraggio, “Buongiorno, notte”. Si tratta di disegni, anche a colori, in cui ci sono studi di inquadrature, raffigurazioni di scene, o semplici raccolte di idee, che sono state poi sviluppate sulla pellicola. Ma si possono pure vedere altre immagini uscite dalla mente del regista durante l'ideazione del film, che pur apparendo inizialmente estranee, sono invece collegate al lungometraggio da un filo sottile. «Pensare e costruire questa mostra - ha spiegato Stefano Caselli, presidente della Fondazione Edison - ci ha permesso di avvicinare un aspetto significativo e poco esplorato dell'opera di Bellocchio, l'arte visiva pura, in forma pittorica e di disegno». Così dalla mostra emerge un'immagine di Bellocchio inedita, ma tutt'altro che distaccata dall' idea che il regista ha dato di sè con le sue opere cinematografiche. Semmai complementare: «Tutto si mescola - ha aggiunto ancora Caselli - s'incrocia e si sovrappone nella vita di ciascuno, così abbiamo cercato nell'integrazione delle possibilità espressive dell'uomo il profondo significato della sua arte». Sarà lo stesso Bellocchio a inaugurare la mostra giovedì 9 ottobre alle 21, incontrando il pubblico, insieme al critico Tullio Masoni. Poi, nella sala del cinema Edison, seguirà la proiezione di “Buongiorno, notte”. La rassegna sarà aperta dal lunedì al venerdì dalle 9.30 alle 13 e dalle 15.30 alle 18.30.
La Gazzetta di Parma 25.9.03
Bellocchio pittore
Il regista a Parma la sera del 9 ottobre
Grande attesa per l'arrivo a Parma del regista piacentino Marco Bellocchio, previsto per giovedì 9 ottobre 2003 dalle ore 21 al Cinema Edison d'Essai presso Fondazione Culturale Edison di Parma.
Il regista sarà a Parma per presentare alla Galleria delle Colonne del Centro Culturale Edison la mostra «Marco Bellocchio: visioni pittoriche e cinema», che raccoglie dipinti, disegni e story-boards tratti dai suoi film.
Per l'occasione Marco Bellocchio interverrà personalmente in un incontro con il pubblico, condotto dal critico e saggista Tullio Masoni, per presenziare all'inaugurazione della mostra e presentarne il catalogo (Edizione Falsopiano). A seguire verrà proiettato nella sala del Cinema Edison il film Buongiorno, notte, in concorso all'ultima Mostra d'arte cinematografica di Venezia.
L'evento è realizzato da Fondazione Culturale Edison, Comune di Parma, Provincia di Parma, Regione Emilia Romagna, Cineclub Zavattini in collaborazione con la Fondazione Monte di Parma, e il Ministero per i Beni e le Attività Culturali.
Marco Bellocchio è considerato il regista tra i più importanti ed impegnati sulla scena del cinema italiano, e dal 1965, anno in cui esordì clamorosamente con I pugni in tasca, si è mosso nel panorama del cinema italiano mantenendo una straordinaria coerenza di linguaggio e di ricerca, mettendo più volte a nudo la sua vena «eversiva» ed anticonformista.
Particolarmente interessante è la mostra che verrà presentata e in particolare la sezione riguardante una raccolta di dipinti ad olio, che probabilmente il pubblico più attento ricorderà di aver visto in alcune scene del film L'ora di religione, nello studio del protagonista, il pittore Ernesto Picciafuoco (Sergio Castellitto), che testimoniano di un inedito Bellocchio pittore.
I dipinti saranno affiancati da un ampio numero di disegni e story-boards dei passati film, da I pugni in tasca, il suo lavoro d'esordio, a L'ora di religione appunto, premiato a Venezia l'anno scorso.
In mostra saranno esposti, inoltre, più di 50 fogli di studio riguardanti l'ultimo lungometraggio diretto dal regista piacentino, dal titolo Buongiorno, notte.
Per la prima volta i dipinti e la grafica prodotti da Bellocchio saranno esposti insieme, ad offrire un lato inedito della visione del regista, quello del suo fare più spontaneo e creativo, in cui appare come un creatore che immagina la struttura interna dei suoi film, che non è costruito sulla pellicola ma sulla carta.
Ingresso al dibattito e al film euro 5,50. Prevendita dei biglietti presso il cinema Edison d'essai dalle ore 10 del giorno 9 ottobre 2003. Infoline 0521 964803, info@edisonline.org.
La mostra, a ingresso libero proseguirà fino al 7 novembre 2003, dal lunedì al venerdì dalle 9.30 alle 13 e dalle 15.30 alle 18.30 (sabato e festivi chiuso) e al termine delle proiezioni del Cinema Edison d'Essai presso Galleria delle Colonne - Largo 8 marzo, 9 - 43100 Parma.
«Pensare e costruire questa mostra - ha spiegato Stefano Caselli, presidente della Fondazione Edison ieri mattina a Bologna nella sede della Fice mentre era in corso un incontro con la stampa a proposito di Buongiorno, notte - ci ha permesso di avvicinare un aspetto significativo e poco esplorato dell'opera di Bellocchio, l'arte visiva pura, in forma pittorica e di disegno».
Così dalla mostra emerge un'immagine di Bellocchio inedita, ma tutt' altro che distaccata dall'idea che il regista ha dato di sè con le sue opere cinematografiche ma semmai complementare: «Tutto si mescola - ha aggiunto ancora Caselli - s'incrocia e si sovrappone nella vita di ciascuno, così abbiamo cercato nell'integrazione delle possibilità espressive dell'uomo il profondo significato della sua arte».
La Repubblica ed. di Bologna 25.9.03
Tele, disegni, story board realizzate dal regista sul set esposte dal Centro Edison dal 9 ottobre a Parma
Così Marco Bellocchio ha dipinto i suoi film
"Non sono un pittore, perché la pittura mi fa paura per la solitudine che comporta"
di FRANCESCA PARISINI
"Per me il cinema è una straordinaria terapia, che ti obbliga giorno per giorno, settimana per settimana, a confrontarti con gli altri. Una terapia fondamentale per la vita che è fatta prevalentemente di relazioni. Non sarebbe stato così con la pittura, che ad un certo punto mi ha fatto paura per la solitudine che la sua pratica comporta". Marco Bellocchio che parla, questa volta non nei panni del regista che esordì nel 1965 con "I pugni in tasca", bensì il Bellocchio nelle vesti inedite e sicuramente poco conosciute di pittore. Dal 9 ottobre il centro culturale Edison di Parma raccoglierà i suoi dipinti, disegni e story-board di molti dei suoi film in una mostra che rimarrà aperta sino al 7 novembre alla Galleria delle Colonne.
"Non sono un pittore", si è comunque schernito il regista piacentino, ieri a Bologna per parlare, oltre che della mostra, del suo film "Buongiorno, notte" che in due sole settimane ha già incassato 2 milioni e 300mila euro. "Mi sono dedicato alla pittura a fine anni '50, prima di trasferirmi a Roma al centro sperimentale di cinema". Di quegli anni, spiega, rimane una quindicina di tele, tutte esposte alla manifestazione parmense. "Poi dipingere non mi è più bastato, dal momento in cui ho scoperto il cinema come arte in movimento". Rimane, comunque, l´esercizio del disegno. "Mentre fai un film ci sono tanti tempi vuoti in cui mi diverto a schizzare le scene che andremo a girare, anche se poi le riprese alla fine risultano sempre molto diverse". Così, per esempio, saranno esposti una cinquantina di fogli riguardanti proprio il suo ultimo lungometraggio, dedicato al rapimento Moro. Particolarmente interessante la sezione con i dipinti ad olio che gli amanti più attenti del cinema di Bellocchio ricorderanno di avere visto in alcune scene del film "L´ora di religione", appesi nello studio del protagonista, il pittore Ernesto Picciafuoco interpretato da Sergio Castellitto.
Ed è proprio per immagini poi, che Bellocchio racconta di cominciare a pensare i suoi lavori cinematografici. "Non si fa un film per raccontare una tesi; si fa partendo da delle immagini che nel caso della mia ultima pellicola sono state quella dell´appartamento dei brigatisti, per cominciare, poi quella dei carcerieri, fino a che ho sentito il bisogno di vedere anche il prigioniero". E a chi gli fa notare che nei suoi ultimi due film c´è una forte componente visionaria, risponde: "è vero, ma è una visionarietà discreta, che non divide mai la realtà dal mondo onirico, rimanendo sempre sul limite. Non è nemmeno una visionarietà barocca come quella che fu di un mio vecchio lavoro, ´Nel nome del padre´. Il principio è sempre quello: un film deve andare oltre la cronaca della vita, mentre il vizio del cinema italiano è quello di basarsi sulle immagini superficiali, sulla storia".
Bellocchio sarà a Parma alla presentazione della mostra il 9 ottobre. Alle 21 incontrerà il pubblico che poi potrà assistere a "Buongiorno, notte" al cinema Edison d´Essai. Info e biglietti 0521964803.
Bellocchio, le visioni pittoriche
Dipinti, bozzetti e story boards del regista in mostra a Parma
di Alfredo Tenni
Prima di finire sulla pellicola, i pensieri e le idee di Marco Bellocchio spuntano sulla carta dei bozzetti, sui fogli delle story-boards o, ancora, s'intuiscono nella luce dei dipinti a olio. A tutte queste opere del regista di “Buongiorno, notte”, la Fondazione culturale Edison ha dedicato la mostra “Marco Bellocchio: visioni pittoriche e cinema”, in programma dal 9 ottobre al 7 novembre alla Galleria delle Colonne di Parma. Undici dipinti a olio, cinque illustrazioni grafiche a colori e un centinaio di disegni e bozzetti, per lo più a penna, con un tratto nitido, offrono un ritratto inedito del regista, che appare come il creatore di quelle immagini che poi diventeranno la struttura dei suoi film. Nella sezione dei dipinti, ci sono anche quelli ripresi dalla cinepresa nello studio del pittore protagonista de “L'ora di religione”. Fra i disegni invece le story-boards di alcuni film, fra i quali “I pugni in tasca”, opera d' esordio di Bellocchio, e “L'ora di religione”; per arrivare poi a 50 fogli di studio sull'ultimo lungometraggio, “Buongiorno, notte”. Si tratta di disegni, anche a colori, in cui ci sono studi di inquadrature, raffigurazioni di scene, o semplici raccolte di idee, che sono state poi sviluppate sulla pellicola. Ma si possono pure vedere altre immagini uscite dalla mente del regista durante l'ideazione del film, che pur apparendo inizialmente estranee, sono invece collegate al lungometraggio da un filo sottile. «Pensare e costruire questa mostra - ha spiegato Stefano Caselli, presidente della Fondazione Edison - ci ha permesso di avvicinare un aspetto significativo e poco esplorato dell'opera di Bellocchio, l'arte visiva pura, in forma pittorica e di disegno». Così dalla mostra emerge un'immagine di Bellocchio inedita, ma tutt'altro che distaccata dall' idea che il regista ha dato di sè con le sue opere cinematografiche. Semmai complementare: «Tutto si mescola - ha aggiunto ancora Caselli - s'incrocia e si sovrappone nella vita di ciascuno, così abbiamo cercato nell'integrazione delle possibilità espressive dell'uomo il profondo significato della sua arte». Sarà lo stesso Bellocchio a inaugurare la mostra giovedì 9 ottobre alle 21, incontrando il pubblico, insieme al critico Tullio Masoni. Poi, nella sala del cinema Edison, seguirà la proiezione di “Buongiorno, notte”. La rassegna sarà aperta dal lunedì al venerdì dalle 9.30 alle 13 e dalle 15.30 alle 18.30.
La Gazzetta di Parma 25.9.03
Bellocchio pittore
Il regista a Parma la sera del 9 ottobre
Grande attesa per l'arrivo a Parma del regista piacentino Marco Bellocchio, previsto per giovedì 9 ottobre 2003 dalle ore 21 al Cinema Edison d'Essai presso Fondazione Culturale Edison di Parma.
Il regista sarà a Parma per presentare alla Galleria delle Colonne del Centro Culturale Edison la mostra «Marco Bellocchio: visioni pittoriche e cinema», che raccoglie dipinti, disegni e story-boards tratti dai suoi film.
Per l'occasione Marco Bellocchio interverrà personalmente in un incontro con il pubblico, condotto dal critico e saggista Tullio Masoni, per presenziare all'inaugurazione della mostra e presentarne il catalogo (Edizione Falsopiano). A seguire verrà proiettato nella sala del Cinema Edison il film Buongiorno, notte, in concorso all'ultima Mostra d'arte cinematografica di Venezia.
L'evento è realizzato da Fondazione Culturale Edison, Comune di Parma, Provincia di Parma, Regione Emilia Romagna, Cineclub Zavattini in collaborazione con la Fondazione Monte di Parma, e il Ministero per i Beni e le Attività Culturali.
Marco Bellocchio è considerato il regista tra i più importanti ed impegnati sulla scena del cinema italiano, e dal 1965, anno in cui esordì clamorosamente con I pugni in tasca, si è mosso nel panorama del cinema italiano mantenendo una straordinaria coerenza di linguaggio e di ricerca, mettendo più volte a nudo la sua vena «eversiva» ed anticonformista.
Particolarmente interessante è la mostra che verrà presentata e in particolare la sezione riguardante una raccolta di dipinti ad olio, che probabilmente il pubblico più attento ricorderà di aver visto in alcune scene del film L'ora di religione, nello studio del protagonista, il pittore Ernesto Picciafuoco (Sergio Castellitto), che testimoniano di un inedito Bellocchio pittore.
I dipinti saranno affiancati da un ampio numero di disegni e story-boards dei passati film, da I pugni in tasca, il suo lavoro d'esordio, a L'ora di religione appunto, premiato a Venezia l'anno scorso.
In mostra saranno esposti, inoltre, più di 50 fogli di studio riguardanti l'ultimo lungometraggio diretto dal regista piacentino, dal titolo Buongiorno, notte.
Per la prima volta i dipinti e la grafica prodotti da Bellocchio saranno esposti insieme, ad offrire un lato inedito della visione del regista, quello del suo fare più spontaneo e creativo, in cui appare come un creatore che immagina la struttura interna dei suoi film, che non è costruito sulla pellicola ma sulla carta.
Ingresso al dibattito e al film euro 5,50. Prevendita dei biglietti presso il cinema Edison d'essai dalle ore 10 del giorno 9 ottobre 2003. Infoline 0521 964803, info@edisonline.org.
La mostra, a ingresso libero proseguirà fino al 7 novembre 2003, dal lunedì al venerdì dalle 9.30 alle 13 e dalle 15.30 alle 18.30 (sabato e festivi chiuso) e al termine delle proiezioni del Cinema Edison d'Essai presso Galleria delle Colonne - Largo 8 marzo, 9 - 43100 Parma.
«Pensare e costruire questa mostra - ha spiegato Stefano Caselli, presidente della Fondazione Edison ieri mattina a Bologna nella sede della Fice mentre era in corso un incontro con la stampa a proposito di Buongiorno, notte - ci ha permesso di avvicinare un aspetto significativo e poco esplorato dell'opera di Bellocchio, l'arte visiva pura, in forma pittorica e di disegno».
Così dalla mostra emerge un'immagine di Bellocchio inedita, ma tutt' altro che distaccata dall'idea che il regista ha dato di sè con le sue opere cinematografiche ma semmai complementare: «Tutto si mescola - ha aggiunto ancora Caselli - s'incrocia e si sovrappone nella vita di ciascuno, così abbiamo cercato nell'integrazione delle possibilità espressive dell'uomo il profondo significato della sua arte».
La Repubblica ed. di Bologna 25.9.03
Tele, disegni, story board realizzate dal regista sul set esposte dal Centro Edison dal 9 ottobre a Parma
Così Marco Bellocchio ha dipinto i suoi film
"Non sono un pittore, perché la pittura mi fa paura per la solitudine che comporta"
di FRANCESCA PARISINI
"Per me il cinema è una straordinaria terapia, che ti obbliga giorno per giorno, settimana per settimana, a confrontarti con gli altri. Una terapia fondamentale per la vita che è fatta prevalentemente di relazioni. Non sarebbe stato così con la pittura, che ad un certo punto mi ha fatto paura per la solitudine che la sua pratica comporta". Marco Bellocchio che parla, questa volta non nei panni del regista che esordì nel 1965 con "I pugni in tasca", bensì il Bellocchio nelle vesti inedite e sicuramente poco conosciute di pittore. Dal 9 ottobre il centro culturale Edison di Parma raccoglierà i suoi dipinti, disegni e story-board di molti dei suoi film in una mostra che rimarrà aperta sino al 7 novembre alla Galleria delle Colonne.
"Non sono un pittore", si è comunque schernito il regista piacentino, ieri a Bologna per parlare, oltre che della mostra, del suo film "Buongiorno, notte" che in due sole settimane ha già incassato 2 milioni e 300mila euro. "Mi sono dedicato alla pittura a fine anni '50, prima di trasferirmi a Roma al centro sperimentale di cinema". Di quegli anni, spiega, rimane una quindicina di tele, tutte esposte alla manifestazione parmense. "Poi dipingere non mi è più bastato, dal momento in cui ho scoperto il cinema come arte in movimento". Rimane, comunque, l´esercizio del disegno. "Mentre fai un film ci sono tanti tempi vuoti in cui mi diverto a schizzare le scene che andremo a girare, anche se poi le riprese alla fine risultano sempre molto diverse". Così, per esempio, saranno esposti una cinquantina di fogli riguardanti proprio il suo ultimo lungometraggio, dedicato al rapimento Moro. Particolarmente interessante la sezione con i dipinti ad olio che gli amanti più attenti del cinema di Bellocchio ricorderanno di avere visto in alcune scene del film "L´ora di religione", appesi nello studio del protagonista, il pittore Ernesto Picciafuoco interpretato da Sergio Castellitto.
Ed è proprio per immagini poi, che Bellocchio racconta di cominciare a pensare i suoi lavori cinematografici. "Non si fa un film per raccontare una tesi; si fa partendo da delle immagini che nel caso della mia ultima pellicola sono state quella dell´appartamento dei brigatisti, per cominciare, poi quella dei carcerieri, fino a che ho sentito il bisogno di vedere anche il prigioniero". E a chi gli fa notare che nei suoi ultimi due film c´è una forte componente visionaria, risponde: "è vero, ma è una visionarietà discreta, che non divide mai la realtà dal mondo onirico, rimanendo sempre sul limite. Non è nemmeno una visionarietà barocca come quella che fu di un mio vecchio lavoro, ´Nel nome del padre´. Il principio è sempre quello: un film deve andare oltre la cronaca della vita, mentre il vizio del cinema italiano è quello di basarsi sulle immagini superficiali, sulla storia".
Bellocchio sarà a Parma alla presentazione della mostra il 9 ottobre. Alle 21 incontrerà il pubblico che poi potrà assistere a "Buongiorno, notte" al cinema Edison d´Essai. Info e biglietti 0521964803.
Marco Bellocchio a Bologna (e a Parma)
il Resto del Carlino 25.9.03
«Ho voluto fare
un film 'infedele'»
di Benedetta Cucci
«A me interessava fare un film infedele rispetto alla realtà. E' un'opera d'arte, non un saggio storico. E per questo ho incontrato molta ottusità da parte di chi ha una fede politica e mi ha detto che le cose non erano andate così… Ma è specifico dell'arte non limitarsi alla superficialità delle immagini». Marco Bellocchio è arrivato a Bologna, ieri, ospite della Fice - Agis, per presentare il suo ultimo film Buongiorno, notte, lavoro commissionato al maestro dalla Rai per l'anniversario dei 25 anni del caso Moro. Una pellicola che è uscita nelle sale cinematografiche subito dopo la presentazione in concorso alla 60a Mostra del cinema di Venezia e che è partita con la distribuzione di 163 copie arrivando alle attuali 200, registrando un incasso di 2 milioni e 300 mila euro. Nella nostra città Bellocchio, accompagnato dall'attrice protagonista Maya Sansa, ha colto l'occasione per parlare della mostra dedicata alle sue visioni pittoriche e cinematografiche che si aprirà a Parma, Galleria delle Colonne in Largo 8 Marzo n.9, il prossimo 9 ottobre, presentata dalla Fondazione culturale Edison. «Non sono un pittore — sottolinea il regista — l'ho fatto prima di andare a Roma, negli anni Cinquanta. Questa mostra raccoglie quadri ma anche disegni che ho realizzato durante la lavorazione di Buongiorno, notte, perché quando si fa un film ci sono tempi lunghissimi di attesa e disegnare mi diverte». Ma che legame c'è tra il cinema di Bellocchio e la sua vena pittorica? «Nel momento in cui ho scoperto il cinema ho lasciato la pittura. Per me il cinema è una straordinaria terapia… di rapporto, perché ti devi misurare con tanta gente…la pittura invece è solitudine».
«Ho voluto fare
un film 'infedele'»
di Benedetta Cucci
«A me interessava fare un film infedele rispetto alla realtà. E' un'opera d'arte, non un saggio storico. E per questo ho incontrato molta ottusità da parte di chi ha una fede politica e mi ha detto che le cose non erano andate così… Ma è specifico dell'arte non limitarsi alla superficialità delle immagini». Marco Bellocchio è arrivato a Bologna, ieri, ospite della Fice - Agis, per presentare il suo ultimo film Buongiorno, notte, lavoro commissionato al maestro dalla Rai per l'anniversario dei 25 anni del caso Moro. Una pellicola che è uscita nelle sale cinematografiche subito dopo la presentazione in concorso alla 60a Mostra del cinema di Venezia e che è partita con la distribuzione di 163 copie arrivando alle attuali 200, registrando un incasso di 2 milioni e 300 mila euro. Nella nostra città Bellocchio, accompagnato dall'attrice protagonista Maya Sansa, ha colto l'occasione per parlare della mostra dedicata alle sue visioni pittoriche e cinematografiche che si aprirà a Parma, Galleria delle Colonne in Largo 8 Marzo n.9, il prossimo 9 ottobre, presentata dalla Fondazione culturale Edison. «Non sono un pittore — sottolinea il regista — l'ho fatto prima di andare a Roma, negli anni Cinquanta. Questa mostra raccoglie quadri ma anche disegni che ho realizzato durante la lavorazione di Buongiorno, notte, perché quando si fa un film ci sono tempi lunghissimi di attesa e disegnare mi diverte». Ma che legame c'è tra il cinema di Bellocchio e la sua vena pittorica? «Nel momento in cui ho scoperto il cinema ho lasciato la pittura. Per me il cinema è una straordinaria terapia… di rapporto, perché ti devi misurare con tanta gente…la pittura invece è solitudine».
mercoledì 24 settembre 2003
test psicologici per i magistrati
Il Tempo 24.9.03
Manina misteriosa protegge la psiche dei pm
STA ASSUMENDO i contorni di un giallo la vicenda dell’emendamento sul test di attitudine psicologica per uditori e magistrati, presentato nei giorni scorsi dal senatore diessino Elvio Fassone (nella foto) al ddl governativo sull’ordinamento giudiziario, attualmente all’esame della commissione giustizia. Secondo quanto dichiarato dallo stesso Fassone, infatti, nei giorni scorsi era stata recepita una sua proposta che mutuava dalla Francia il sistema di test attitudinali psicologici periodici obbligatori previsti per i neo magistrati o per i togati di lungo corso. Interpellato dal Velino per avere maggiori particolari, Fassone si è però accorto, scorrendo il testo del suo emendamento, che il riferimento all’equilibrio psicologico del magistrato è scomparso. “Immagino”, ha dichiarato, “che qualcuno abbia considerato implicito nel concetto di ‘equilibrio’ del magistrato anche l’aspetto psicologico. Avevo pensato, sulla base delle mie esperienze di diritto comparato, che quanto previsto oltralpe, potesse funzionare anche da noi. Dopo i 31 mesi di tirocinio, infatti, gli uditori vengono sottoposti a una serie di valutazioni tecniche e psicologiche. Nel maxiemendamento mi era sembrato opportuno proporre lo stesso schema per la futura scuola della magistratura. Inoltre, si prevedevano verifiche costanti anche per i magistrati in carriera”. Nemmeno il relatore Luigi Bobbio riesce a risalire alla “manina” che ha estromesso la psicologia dal provvedimento: “Presumo anch’io, come Fassone, che in sede di redazione si sia considerato implicito il riferimento all’equilibrio psicologico ma non saprei dire chi ha corretto il testo”. Il giallo continua...
Da Il Velino
Manina misteriosa protegge la psiche dei pm
STA ASSUMENDO i contorni di un giallo la vicenda dell’emendamento sul test di attitudine psicologica per uditori e magistrati, presentato nei giorni scorsi dal senatore diessino Elvio Fassone (nella foto) al ddl governativo sull’ordinamento giudiziario, attualmente all’esame della commissione giustizia. Secondo quanto dichiarato dallo stesso Fassone, infatti, nei giorni scorsi era stata recepita una sua proposta che mutuava dalla Francia il sistema di test attitudinali psicologici periodici obbligatori previsti per i neo magistrati o per i togati di lungo corso. Interpellato dal Velino per avere maggiori particolari, Fassone si è però accorto, scorrendo il testo del suo emendamento, che il riferimento all’equilibrio psicologico del magistrato è scomparso. “Immagino”, ha dichiarato, “che qualcuno abbia considerato implicito nel concetto di ‘equilibrio’ del magistrato anche l’aspetto psicologico. Avevo pensato, sulla base delle mie esperienze di diritto comparato, che quanto previsto oltralpe, potesse funzionare anche da noi. Dopo i 31 mesi di tirocinio, infatti, gli uditori vengono sottoposti a una serie di valutazioni tecniche e psicologiche. Nel maxiemendamento mi era sembrato opportuno proporre lo stesso schema per la futura scuola della magistratura. Inoltre, si prevedevano verifiche costanti anche per i magistrati in carriera”. Nemmeno il relatore Luigi Bobbio riesce a risalire alla “manina” che ha estromesso la psicologia dal provvedimento: “Presumo anch’io, come Fassone, che in sede di redazione si sia considerato implicito il riferimento all’equilibrio psicologico ma non saprei dire chi ha corretto il testo”. Il giallo continua...
Da Il Velino
«che cos'è la logica?»
Giornale di Brescia 24.9.03
Incontro con Piergiorgio Odifreddi, docente all’Università di Torino e autore di un saggio sulla storia d’una disciplina nemica dei falsi idoli
La logica, un diavolo che aiuta l’igiene mentale
intervista di Emiliano Ippoliti
Cos’è la logica? «Viceversa, se fosse così, lo sarebbe; e se era così, lo sarebbe; ma dato che non è così, allora non lo è. Questa è logica». La spiegazione datane dallo scrittore inglese Lewis Carroll in Attraverso lo specchio (continuazione di Alice nel paese delle meraviglie) può renderci chiaro, con una dose di ironia, uno degli aspetti più interessanti della logica: il suo carattere pervasivo, la sua connessione con tutti i campi dell’attività umana, a partire da quello linguistico. Ma Piergiorgio Odifreddi, docente di Logica matematica all’Università di Torino e apprezzato divulgatore scientifico, nella sua ultima opera intitolata Il diavolo in cattedra (Einaudi) ci offre un punto di vista ancor più stimolante: la logica, a suo dire, sarebbe opera del diavolo. Per dimostrarcelo il professor Odifreddi ripercorre i momenti cruciali del pensiero razionale: da Platone e Aristotele fino al teorema di Kurt Gödel, passando per l’opera del filosofo e scienziato tedesco Gottfried Wilhelm von Leibniz e il dibattito di fine Ottocento sulla nozione d’infinito potenziale e attuale, di cui furono grandi attori il tedesco Richard Dedekind e il russo Georg Cantor; si sofferma sul pensiero del logico tedesco Gottlob Frege, promotore di una matematica fondata su basi puramente logiche, e su Bertrand Russell che ne inficiò il progetto comunicandogli un paradosso che minava dalle fondamenta l’edificio teorico del logicismo; quindi passa a parlare del ruolo e delle prospettive dell’Intelligenza Artificiale, a partire dal teorema di Alan Turing, e delle motivazioni che spinsero il matematico ungherese John von Neumann, presso la prestigiosa Università di Princeton, a ideare e costruire una macchina che rappresentò il primo prototipo di computer. I logici, insomma, hanno la diabolica, ma fruttuosa, abitudine di non accontentarsi di ciò che vedono e sentono, di spaccare il capello in quattro.
- Prof. Odifreddi, «Il diavolo in cattedra» è un titolo insolito e curioso per un testo dedicato alla logica. Che cosa gliel’ha suggerito?
«Un paio di riferimenti letterari, che si trovano nella Divina Commedia e nel Faust di Goethe, dove il diavolo impersona lo spirito della logica. "Forse tu non pensavi ch’io loico fossi!", fa dire Dante al demonio. Egli, infatti, è il simbolo della divisione o della separazione, come dice il suo stesso nome, derivato dal greco diabolé, " calunnia", mentre Dio è il simbolo dell’unione. La logica è il pensiero dualistico per eccellenza: separa il vero dal falso, così come il diavolo rappresenta la separazione del male dal bene».
- Cos’è la logica?
«Etimologicamente, è lo studio del logos, ossia, a seconda delle accezioni del vocabolo greco, del linguaggio, del pensiero e del rapporto. Per questo la logica è così pervasiva, e la si studia in tanti dipartimenti universitari: matematica, filosofia, informatica, linguistica, psicologia...».
- Qual è il suo legame con la filosofia e la matematica?
«In matematica il bisogno della logica è sorto con la scoperta degli irrazionali, cioè di grandezze non "commensurabili". Ma anche con la constatazione che alcune delle intuizioni matematiche, sia aritmetiche che geometriche, erano corrette, mentre altre erano sbagliate. C’era dunque bisogno di confermare o refutare le intuizioni mediante ragionamenti corretti, e la verifica della correttezza dei ragionamenti è appunto il pane quotidiano della logica. Quanto alla filosofia, si è avvertita una necessità simile con la scoperta dei paradossi, primo fra tutti quello del mentitore: il fatto, cioè, che la semplice frase "sto mentendo" non possa essere né vera né falsa. Anche qui c’era il bisogno di capire come fosse possibile che il linguaggio generasse contraddizioni tanto facilmente, sfuggendo di mano all’uomo senza che nemmeno se ne accorgesse. In Occidente, che è l’unico ambito di cui tratto nel mio libro, la logica nacque con la filosofia greca classica. Platone introdusse i primi rudimenti di quella che oggi chiameremmo l’analisi logica del linguaggio. Aristotele e gli stoici, invece, isolarono e classificarono i modi fondamentali del ragionamento, ossia il modo in cui si mettono insieme le proposizioni».
- Cosa può insegnarci un viaggio fino alle radici storiche della logica, dall’antica Grecia a noi?
«Ci può far vedere come molti degli sviluppi moderni fossero in realtà già stati raggiunti dai Greci e siano poi stati dimenticati per secoli, ritrovati dagli scolastici medievali, e di nuovo dimenticati. Da un lato, questo ci conferma la loro validità: se una cosa succede una volta, può essere un caso; se si ripete due volte, può essere una coincidenza; ma se accade tre volte, è preme dita zione! Dall’altro lato, il fatto che per due volte si siano dimenticate le scoperte dei Greci e degli scolastici ci spinge a far tesoro di ciò di cui ci siamo riappropriati, per evitare che finisca di nuovo dimenticato in eventuali nuovi "secoli bui"».
- Qual è il principale contributo dato dalla logica al pensiero scientifico del Novecento?
«L’influsso più diretto è venuto tramite il neopositivismo del Circolo di Vienna, che a sua volta s’ispirava a una delle opere logiche più importanti di inizio secolo: il Trattato logico-filosofico di Ludwig Wittgenstein. Ma anche la tecnologia ha beneficiato della logica: il computer, ad esempio, che è l’innovazione più radicale dei nostri giorni, fu inventato da Alan Turing nel 1936 per risolvere un problema di logica. Da lì ha origine il legame con l’informatica».
- La logica potrà contribuire anche alla scienza del futuro, e come?
«Le applicazioni della logica a volta sono inaspettate. Per fare un esempio, Kenneth Arrow e Amartya Sen, premi Nobel per l’economia, hanno elaborato la teoria delle scelte sociali usando semplici strumenti logici. O per farne un altro, John Bell ha dimostrato con un argomento di logica elementare che nel famoso dibattito fra Einstein e Bohr sulla meccanica quantistica, era il secondo ad avere ragione. Ma, più in generale, la logica è utile soprattutto come igiene mentale: l’analisi delle nozioni e dei ragionamenti permette di decostruire le tante illusioni che purtroppo infestano il pensiero in ogni tempo, compreso il nostro. Come le malattie fisiche, anche quelle intellettuali vanno diagnosticate e curate, e la logica è la cura più sperimentata e sofisticata. Vale la pena di conoscerla e usarla».
Incontro con Piergiorgio Odifreddi, docente all’Università di Torino e autore di un saggio sulla storia d’una disciplina nemica dei falsi idoli
La logica, un diavolo che aiuta l’igiene mentale
intervista di Emiliano Ippoliti
Cos’è la logica? «Viceversa, se fosse così, lo sarebbe; e se era così, lo sarebbe; ma dato che non è così, allora non lo è. Questa è logica». La spiegazione datane dallo scrittore inglese Lewis Carroll in Attraverso lo specchio (continuazione di Alice nel paese delle meraviglie) può renderci chiaro, con una dose di ironia, uno degli aspetti più interessanti della logica: il suo carattere pervasivo, la sua connessione con tutti i campi dell’attività umana, a partire da quello linguistico. Ma Piergiorgio Odifreddi, docente di Logica matematica all’Università di Torino e apprezzato divulgatore scientifico, nella sua ultima opera intitolata Il diavolo in cattedra (Einaudi) ci offre un punto di vista ancor più stimolante: la logica, a suo dire, sarebbe opera del diavolo. Per dimostrarcelo il professor Odifreddi ripercorre i momenti cruciali del pensiero razionale: da Platone e Aristotele fino al teorema di Kurt Gödel, passando per l’opera del filosofo e scienziato tedesco Gottfried Wilhelm von Leibniz e il dibattito di fine Ottocento sulla nozione d’infinito potenziale e attuale, di cui furono grandi attori il tedesco Richard Dedekind e il russo Georg Cantor; si sofferma sul pensiero del logico tedesco Gottlob Frege, promotore di una matematica fondata su basi puramente logiche, e su Bertrand Russell che ne inficiò il progetto comunicandogli un paradosso che minava dalle fondamenta l’edificio teorico del logicismo; quindi passa a parlare del ruolo e delle prospettive dell’Intelligenza Artificiale, a partire dal teorema di Alan Turing, e delle motivazioni che spinsero il matematico ungherese John von Neumann, presso la prestigiosa Università di Princeton, a ideare e costruire una macchina che rappresentò il primo prototipo di computer. I logici, insomma, hanno la diabolica, ma fruttuosa, abitudine di non accontentarsi di ciò che vedono e sentono, di spaccare il capello in quattro.
- Prof. Odifreddi, «Il diavolo in cattedra» è un titolo insolito e curioso per un testo dedicato alla logica. Che cosa gliel’ha suggerito?
«Un paio di riferimenti letterari, che si trovano nella Divina Commedia e nel Faust di Goethe, dove il diavolo impersona lo spirito della logica. "Forse tu non pensavi ch’io loico fossi!", fa dire Dante al demonio. Egli, infatti, è il simbolo della divisione o della separazione, come dice il suo stesso nome, derivato dal greco diabolé, " calunnia", mentre Dio è il simbolo dell’unione. La logica è il pensiero dualistico per eccellenza: separa il vero dal falso, così come il diavolo rappresenta la separazione del male dal bene».
- Cos’è la logica?
«Etimologicamente, è lo studio del logos, ossia, a seconda delle accezioni del vocabolo greco, del linguaggio, del pensiero e del rapporto. Per questo la logica è così pervasiva, e la si studia in tanti dipartimenti universitari: matematica, filosofia, informatica, linguistica, psicologia...».
- Qual è il suo legame con la filosofia e la matematica?
«In matematica il bisogno della logica è sorto con la scoperta degli irrazionali, cioè di grandezze non "commensurabili". Ma anche con la constatazione che alcune delle intuizioni matematiche, sia aritmetiche che geometriche, erano corrette, mentre altre erano sbagliate. C’era dunque bisogno di confermare o refutare le intuizioni mediante ragionamenti corretti, e la verifica della correttezza dei ragionamenti è appunto il pane quotidiano della logica. Quanto alla filosofia, si è avvertita una necessità simile con la scoperta dei paradossi, primo fra tutti quello del mentitore: il fatto, cioè, che la semplice frase "sto mentendo" non possa essere né vera né falsa. Anche qui c’era il bisogno di capire come fosse possibile che il linguaggio generasse contraddizioni tanto facilmente, sfuggendo di mano all’uomo senza che nemmeno se ne accorgesse. In Occidente, che è l’unico ambito di cui tratto nel mio libro, la logica nacque con la filosofia greca classica. Platone introdusse i primi rudimenti di quella che oggi chiameremmo l’analisi logica del linguaggio. Aristotele e gli stoici, invece, isolarono e classificarono i modi fondamentali del ragionamento, ossia il modo in cui si mettono insieme le proposizioni».
- Cosa può insegnarci un viaggio fino alle radici storiche della logica, dall’antica Grecia a noi?
«Ci può far vedere come molti degli sviluppi moderni fossero in realtà già stati raggiunti dai Greci e siano poi stati dimenticati per secoli, ritrovati dagli scolastici medievali, e di nuovo dimenticati. Da un lato, questo ci conferma la loro validità: se una cosa succede una volta, può essere un caso; se si ripete due volte, può essere una coincidenza; ma se accade tre volte, è preme dita zione! Dall’altro lato, il fatto che per due volte si siano dimenticate le scoperte dei Greci e degli scolastici ci spinge a far tesoro di ciò di cui ci siamo riappropriati, per evitare che finisca di nuovo dimenticato in eventuali nuovi "secoli bui"».
- Qual è il principale contributo dato dalla logica al pensiero scientifico del Novecento?
«L’influsso più diretto è venuto tramite il neopositivismo del Circolo di Vienna, che a sua volta s’ispirava a una delle opere logiche più importanti di inizio secolo: il Trattato logico-filosofico di Ludwig Wittgenstein. Ma anche la tecnologia ha beneficiato della logica: il computer, ad esempio, che è l’innovazione più radicale dei nostri giorni, fu inventato da Alan Turing nel 1936 per risolvere un problema di logica. Da lì ha origine il legame con l’informatica».
- La logica potrà contribuire anche alla scienza del futuro, e come?
«Le applicazioni della logica a volta sono inaspettate. Per fare un esempio, Kenneth Arrow e Amartya Sen, premi Nobel per l’economia, hanno elaborato la teoria delle scelte sociali usando semplici strumenti logici. O per farne un altro, John Bell ha dimostrato con un argomento di logica elementare che nel famoso dibattito fra Einstein e Bohr sulla meccanica quantistica, era il secondo ad avere ragione. Ma, più in generale, la logica è utile soprattutto come igiene mentale: l’analisi delle nozioni e dei ragionamenti permette di decostruire le tante illusioni che purtroppo infestano il pensiero in ogni tempo, compreso il nostro. Come le malattie fisiche, anche quelle intellettuali vanno diagnosticate e curate, e la logica è la cura più sperimentata e sofisticata. Vale la pena di conoscerla e usarla».
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